Love Ghost – è uscito l’album “Thirteen”

 

“Thirteen” è probabilmente il disco più vulnerabile che abbia mai realizzato. “Thirteen” (tredici) è l’età che avevo quando fui espulso da scuola, il momento in cui ho iniziato a sentirmi fuori posto. Credo che gran parte di questo album nasca proprio da quella sensazione di essere sempre un estraneo che osserva dall’esterno. È un disco grunge acustico, di stampo midwest, che parla di isolamento, identità e del tentativo di scorgere qualcosa di bello negli aspetti più cupi della vita. È come una raccolta di ricordi che, forse, avrei dovuto seppellire. Tredici brani, in uscita venerdì tredici.

Presentazione dei brani:

“Church for a Vampire” apre l’album e ne definisce il tono: parla di trovare qualcosa di sacro in persone e luoghi profondamente compromessi. È un brano sulla solitudine e sulla ricerca della salvezza nei posti sbagliati.

Il secondo brano si intitola “Pasadena”. Sono cresciuto nell’area di Pasadena/Altadena e questa canzone è per me profondamente personale, poiché a quelle strade sono legati amore, dolore, ricordi e fantasmi. Più che una canzone su una città, è un brano che racconta il tentativo di fare pace con le proprie origini.

Il terzo brano, “Into The Woods”, funge da metafora per la perdita dell’innocenza e la scoperta che il mondo non è semplice come si credeva un tempo. Parla di quel momento in cui si varca un confine che non si può più oltrepassare all’indietro; d’un tratto, l’infanzia appare come qualcosa accaduto a qualcun altro.

“Turpentine This House” racchiude per me molteplici significati. La trementina (turpentine) è un componente usato per rimuovere le macchie, ma se utilizzata nel modo sbagliato può essere estremamente pericolosa: è come cercare di cancellare una macchia lasciata da un evento passato, quando però il tentativo di eliminarla fa quasi tanto male quanto tenerla con sé. Nello specifico, parlo di un amore non corrisposto e dell’incendio di Eaton, raccontando la mia esperienza diretta di quell’evento nel 2025.

"Can’t Run Forever" è un brano che parla del momento in cui si affronta finalmente ciò che ci ha resi quello che siamo. Si tratta di riflettere sui propri traumi e su tutto ciò che ha contribuito a farci diventare le persone che siamo oggi.

Il brano più cupo dell'album è "Am I Evil?". Questa canzone esplora la messa in discussione della propria morale e della voce narrante che risuona nella mente quando si presentano pensieri intrusivi; descrive la sensazione di sentirsi estranei a se stessi a causa dei pensieri che ci tormentano.

"Something in the Water" è uno dei brani emotivamente più intensi dell'album: affronta il peso dei traumi generazionali in una cittadina intrappolata in un ciclo di sofferenze ereditarie. Esplora un'America dimenticata, mostrando come dipendenze, depressione, abusi e altre ferite si trasmettano all'interno delle comunità, perpetuando i peccati delle generazioni precedenti. Il brano rappresenta il mio tentativo di fare i conti con questa oscurità e con le persone che si ritrovano a doverne portare il peso.

"Snake Boy" segna l'inizio di una trilogia all'interno dell'album, che prosegue con i brani "Blood and Roses" e "Dog Teeth and Rosaries". Insieme, queste tre canzoni raccontano una storia fatta di intimità, pericolo, desiderio, tradimento e vendetta, ispirandosi liberamente al mito del frutto proibito: la mela, Adamo ed Eva e il serpente. "Snake Boy" introduce questo universo attraverso lo sguardo del serpente; l'uso di suoni come quello di un proiettore cinematografico in funzione e il sibilo di serpenti che strisciano lungo tutto il brano creano la sensazione di assistere, sullo schermo, allo svolgersi di qualcosa di proibito. La canzone è dichiaratamente sensuale, ma cela un fondo inquietante: chi narra si sente attratto, al contempo, dal pericolo e dal desiderio, ponendo le basi per la relazione complessa che costituisce il fulcro dell'intera trilogia.

Quella tensione si trasferisce direttamente in "Blood and Roses", il brano centrale del disco e forse uno dei più orecchiabili. In apparenza è una canzone d'amore, ma sotto la sua dolcezza scorrono un senso di pericolo e una carica sessuale: appare seducente, spericolata e, stranamente, garbata, tutto allo stesso tempo. Il ritornello coglie questa contraddizione: “incontrami nell'angolo buio della strada, stringimi a te. Non mi importa chi ci guarda, ti va di spostarti sul retro della jeep? Pronuncia il mio nome come se fosse l'unica cosa di cui hai bisogno”. È il momento in cui il desiderio prende il sopravvento e la relazione proibita, introdotta in “Snake Boy”, diventa impossibile da ignorare.

La trilogia si chiude con “Dog Teeth and Rosaries”, che sposta la narrazione dalla seduzione al tradimento e alla vendetta. La transizione è volutamente cinematografica: alla fine di “Blood and Roses” si sente qualcuno manovrare la manopola di un'autoradio, un dettaglio che conduce direttamente al brano conclusivo della trilogia. “Dog Teeth and Rosaries” suona come se fosse stato registrato su una audiocassetta degli anni '90, conferendo al pezzo una qualità usurata e intima, quasi come un ricordo che riaffiora a distanza di anni. Nel loro insieme, i tre brani funzionano quasi come un cortometraggio: il serpente trova il frutto proibito, il desiderio si trasforma in amore e, infine, l'amore degenera in tradimento e vendetta.

“Pointless” racconta il viaggio di un eroe con un risvolto inaspettato: l'antagonista non è una forza esterna, bensì il protagonista stesso. Il brano esplora la battaglia interiore legata alla depressione, il confronto con la propria mente e, in ultima analisi, il rifiuto delle aspettative sociali in favore di un'esistenza autentica. Al suo nucleo, “Pointless” ruota attorno alla consapevolezza che, a volte, la sfida più ardua non è contro il mondo, ma contro quella versione di sé che il mondo ci ha insegnato a diventare. La canzone segue questo percorso, dall'isolamento e dall'insicurezza verso l'accettazione di sé, interrogandosi su cosa significhi davvero essere l'eroe della propria storia. Il testo cattura questa tensione con versi come: “Ogni strada riporta a Roma / credo sia giunto il momento di tornare a casa / ma nessuno ti dice mai / che ogni eroe deve combattere da solo”.

*I Left My Home* trae ispirazione da alcuni miei familiari che hanno vissuto la guerra. Il brano esplora le conseguenze psicologiche del conflitto e l’esperienza disorientante del tentativo di tornare a una vita che non si percepisce più come “casa”. Costruita attorno al campionamento di un canto militare dei Marines, la canzone segue un giovane che intraprende un viaggio lontano da casa, alla ricerca di un modo per superare qualcosa che non riesce a comprendere appieno o a esprimere a parole. Man mano che la storia si sviluppa, la distanza fisica percorsa diventa un riflesso di quella che il protagonista avverte dentro di sé. Anche dopo il ritorno a casa, egli resta tormentato dalla guerra che si è lasciato alle spalle, sospeso tra il luogo in cui si trova e quello verso cui la sua mente continua a riportarlo.

Il brano conclusivo si intitola *Filthy Hands*. È un’esplorazione cruda del trauma, della vergogna e di come le azioni altrui possano distorcere il nostro senso di innocenza e il valore che attribuiamo a noi stessi. La canzone analizza la complessa realtà di persone segnate, che portano con sé le conseguenze di ciò che hanno subito, riuscendo tuttavia a scorgere bellezza e umanità sotto il dolore. Con un tono cupo e profondamente intimo, il brano affronta il silenzio che circonda il trauma e la brutale verità di ciò che accade quando qualcuno impara a nascondere le proprie ferite, anziché parlarne.

Link streaming: https://open.spotify.com/album/7mM6vj3gxyh171vHci95S3

Link video “Filthy hands”: https://www.youtube.com/watch?v=y2VdsXQPEVI

Link video “Blood and Roses”: https://www.youtube.com/watch?v=6jC14nxGjOQ

Biografia

I Love Ghost sono una band alternative rock che fonde hard rock, metal, pop-punk, sonorità acustiche, rap e goth in uno stile unico e personale. I loro brani possiedono un’anima poetica ed emo, affrontando spesso di petto temi quali i traumi e le sfide legate alla salute mentale. Selezionati per il programma Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in quattro continenti. Nel 2025 hanno suonato al Warped Tour di Los Angeles insieme ai Wiplash. In Messico hanno collaborato con artisti quali Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri ancora.

A livello internazionale, hanno lavorato con The Skinner Brothers (Regno Unito) e Rico Nasty, oltre a realizzare un intero album con SKOLD. Hanno ottenuto riconoscimenti e menzioni da testate come Rolling Stone Magazine (oltre dieci volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash Magazine, Alternative Press e molte altre. In Messico hanno vinto il Monster Award 2026 come miglior band rock. Hanno recentemente concluso il loro tour da headliner “Anarchy and Ashes”, esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito; inoltre, tengono frequentemente concerti in tutto il Messico.

Website: https://www.loveghost.com

Apple Music: https://music.apple.com/us/artist/love-ghost/345566313

Instagram: https://www.instagram.com/loveghost_official

YouTube: https://youtube.com/@LoveGhost

Twitter: https://twitter.com/@LoveGhost_

Facebook: https://www.facebook.com/loveghost.official

Spotify: https://open.spotify.com/artist/7oYWWttOyiltgT19mfoUWi

Deezer: https://www.deezer.com/us/artist/345544

Tik Tok: https://www.tiktok.com/@loveghost_official

I Whalefall Brigade pubblicano “Devil’s Hand”

 

Un sound massiccio, riff taglienti e chitarre distorte: i Whalefall Brigade pubblicano “Devil’s Hand”, un brano che affonda le radici in sonorità potenti e abrasive, costruendo un’atmosfera cupa e inquieta.

Il pezzo si sviluppa attraverso un impatto sonoro deciso, in cui le chitarre distorte e i riff affilati si alternano a momenti in cui il basso emerge con tutta la sua intensità, prendendosi la scena e lasciando spazio alla voce, graffiante e malinconica. A completare il quadro interviene una batteria dal ritmo irrequieto, sostenuta da un groove tribale che contribuisce ad accrescere la tensione del brano.

Anche sul piano lirico, “Devil’s Hand” si muove in territori oscuri: il testo trascina l’ascoltatore nell’inferno interiore del protagonista, costretto da una volontà che non gli appartiene a compiere atti sacrileghi. Una condizione di sopraffazione e perdita di controllo che trova nella potenza del suono la propria dimensione espressiva.

Devil’s Hand è un brano intenso e viscerale, in cui la potenza delle sonorità si intreccia a un immaginario oscuro e disturbante. Un viaggio sonoro che alterna aggressività e malinconia, confermando la capacità della band di costruire atmosfere dense, capaci di lasciare il segno.

I Whalefall Brigade nascono nel 2025 dalle esperienze maturate in precedenti formazioni e dall’incontro di musicisti accomunati dalla passione per un sound diretto e potente, costruito su riff incisivi e chitarre distorte. La loro identità musicale guarda alle sonorità del garage revival e dell’indie rock dei primi anni Duemila, reinterpretandone l’attitudine energica e graffiante.

A catturare l’attenzione dell’etichetta discografica indipendente Sorry Mom! è una demo autoprodotta, che segna l’inizio di una nuova fase del percorso della band. È proprio con l’etichetta che i Whalefall Brigade proseguono oggi il loro cammino discografico.

ASCOLTA “DEVIL’S HAND”!

https://ffm.to/walefallbrigade-devilshand

LADY NEMESIS – esce “Nemesi e Narciso”

 

Con “Nemesi e Narciso”, Lady Nemesis racconta il sottile confine tra amore e manipolazione, dando voce al percorso di una donna che, nel tentativo di salvare un sentimento, finisce per smarrire se stessa.

È la storia di un’illusione che resiste anche di fronte all’evidenza, di promesse che diventano catene invisibili e di una donna che continua ad amare l’immagine di un uomo, senza riuscire più a distinguere ciò che aveva sognato da ciò che realmente aveva davanti.

La svolta arriva quando quell’immagine finalmente si infrange. La protagonista riconosce Narciso e, proprio in quell’istante, nasce Nemesi. Non una figura in cerca di vendetta, ma la forza di chi trova il coraggio di guardare la verità, smascherare le apparenze e sottrarsi a un legame che aveva lentamente cancellato la propria identità.

«E ora sai, sono Nemesi e tu Narciso» diventa il momento decisivo del racconto: non un’accusa, ma una dichiarazione di libertà. Due nomi, due archetipi contrapposti, che segnano la fine dell’inganno e l’inizio di una nuova coscienza di sé.

La sofferenza, allora, cambia significato. La ferita diventa radice, la caduta si trasforma in un nuovo punto di partenza. Ciò che un tempo aveva ridotto la protagonista al silenzio diventa la materia stessa della sua espressione.

«Ora la mia voce canta la mia ferita» racchiude l’essenza di questa metamorfosi: la voce che era stata soffocata torna a esistere, non per chiedere ascolto o comprensione, ma per affermare finalmente la propria verità.

A sostenere il racconto è un sound alternative rock, dalle atmosfere oscure, intense e teatrali. La costruzione musicale segue il crescendo emotivo della protagonista, traducendo in suono il conflitto interiore, la rottura dell’incantesimo e la liberazione finale.

Con “Nemesi e Narciso”, Lady Nemesis dà forma a una storia che supera i confini della relazione sentimentale e diventa un racconto universale sulla perdita e sulla riconquista di sé.

Perché la vera Nemesi non è quella che distrugge Narciso, ma quella che smette di riconoscersi attraverso i suoi occhi.

Il brano è disponibile dal 13 novembre 2026 su tutte le principali piattaforme digitali.

Lady Nemesis è il progetto artistico di Eleonora Fedeli, autrice e interprete romana che intreccia scrittura evocativa, sonorità intense e atmosfere cinematografiche, dando vita a un universo musicale in cui parola, voce e immagine diventano strumenti di narrazione.

La sua ricerca artistica nasce dall’esigenza di trasformare emozioni ed esperienze in storie capaci di andare oltre il vissuto individuale. Amore, fragilità, disillusione, manipolazione e libertà attraversano le sue composizioni, prendendo forma attraverso simboli, contrasti e immagini di forte impatto emotivo.

Con “Il filo rosso mi ha sfiorata”, Lady Nemesis inaugura un percorso in cui la musica dialoga con un immaginario visivo ricco di suggestioni, costruendo un linguaggio personale sospeso tra intimità e teatralità.

Con “Nemesi e Narciso”, questo universo si arricchisce di nuove sfumature, esplorando il confronto tra illusione e realtà, dipendenza emotiva e autodeterminazione, attraverso una narrazione dal carattere più oscuro e graffiante.

Al centro della sua identità artistica c’è la volontà di dare forma a ciò che spesso rimane invisibile o inespresso, senza rinunciare alla forza delle emozioni né alla complessità delle contraddizioni umane.

Lady Nemesis non cerca personaggi da interpretare, ma verità da raccontare. Perché, nella sua musica, anche una ferita può trovare una voce.

ASCOLTA “NEMESI E NARCISO”!

https://orcd.co/ladynemesis-nemesienarciso

TinkerToyz – è uscito “Girls Are Ready For Fun”

 

Con “Girls Are Ready For Fun”, i TinkerToyz raccontano una notte in cui la voglia di divertirsi prende il sopravvento su qualsiasi programma.

Tra tacchi alti, rossetti, profumi e sguardi che non lasciano scampo, la festa diventa il terreno di un gioco di seduzione in cui le posizioni si ribaltano e chi crede di condurre la partita finisce facilmente per diventarne la preda. Il testo ammicca a questa ambiguità delle ragazze che si divertono ad ammaliare: “Snake-bite eyes, I’m her prey on sight”, portando il narratore a una decisione che non ammette ripensamenti: “Later! I can’t leave the party now”. Andarsene può aspettare: la notte ha ancora molto da offrire.

Sul piano musicale, il singolo recupera il linguaggio e l’estetica dell’hard rock e del glam metal anni ’80. Riff affilati, sezione ritmica serrata e melodie vocali catchy e incisive costruiscono un brano energico e senza giri di parole, ideale per l’eccesso e il divertimento.

“Girls Are Ready For Fun” è la colonna sonora di una notte che nessuno sembra disposto a interrompere.

Nati a Milano nel 2022, i TinkerToyz sono una band hard rock e glam metal composta da Alexander Räw alla voce, Revy Nayle alla chitarra, Dave Melrose al basso e Michael Waste alla batteria. La loro proposta riprende l’attitudine dell’hard rock legato alla Sunset Strip californiana, filtrandola attraverso un suono compatto e attuale, fatto di chitarre ruvide, ritmiche incisive e una forte attenzione alla resa dal vivo.

È proprio sul palco che la band trova una delle sue dimensioni più riconoscibili, con concerti costruiti su un ritmo serrato e sul rapporto diretto con il pubblico. Un’attitudine che ha permesso ai TinkerToyz di consolidare rapidamente la propria presenza nella scena live: nel 2025 hanno raggiunto la finale Nord Italia di Sanremo Rock, mentre nel 2026 hanno aperto i concerti dei Rezophonic e della storica formazione americana Spread Eagle. Nello stesso anno si sono inoltre aggiudicati il contest Salieri in Rock di Legnago, ottenendo il riconoscimento come miglior band.

Il percorso discografico prende avvio nel 2025 con l’EP “Do You Wanna Play With The Toyz?”, anticipato dai singoli “I’m On My Way To Rock” e “Rich Fat And Chad”.

ASCOLTA “GIRLS ARE READY FOR FUN”!

https://distrokid.com/hyperfollow/tinkertoyz/girls-are-ready-for-fun

LINK SOCIAL

Facebook: https://www.facebook.com/share/1L3Dw6Tcwg/?mibextid=wwXIfr

Instagram: https://www.instagram.com/tinkertoyzband/

“Bile” è il primo singolo in italiano di Tanesco

 

“Bile” è il primo singolo in italiano di Tanesco. Già pubblicato nel 2015 con i Dhammatalk, il brano torna oggi in una nuova veste sonora, con una produzione più piena e contemporanea che fonde l’impatto del rock e del grunge anni ’90.

Chitarre acustiche ed elettriche si intrecciano in un sound graffiante e incisivo, arricchito da cori e arrangiamenti articolati, dando vita a un equilibrio tra tensione, aggressività e profondità sonora.

Ma “Bile” è soprattutto un’esplorazione del disagio interiore, di quegli stati d’animo inconsci e inesplorati che spesso vengono soffocati dalla razionalità imposta dalla quotidianità. Una razionalità necessaria per muoversi e sopravvivere all’interno di un contesto sociale che ci spinge ad aderire a schemi e modelli prestabiliti, non sempre in sintonia con ciò che siamo realmente.

Il brano nasce proprio da questo disallineamento: la distanza tra ciò che si è, ciò che si sente e ciò che il mondo circostante si aspetta da noi. Una frattura interiore che Tanesco sceglie di portare in superficie, trasformandola in musica e dando voce a tutto ciò che, troppo spesso, resta inespresso.

Tanesco nasce a Bassano del Grappa, in provincia di Vicenza, e cresce in una famiglia in cui la musica è una presenza costante.

La prima esperienza significativa arriva con i Madrugha, gruppo gravitante nell’ambiente ska-raggae bassanese, e nel 2011 fonda i Clerks, progetto con cui si confronta per la prima volta con il ruolo di cantante e autore, scrivendo i propri brani in lingua inglese. Un’esperienza che lo conduce progressivamente verso la scrittura in italiano, destinata a diventare una componente fondamentale della sua identità musicale. Dall’evoluzione dei Clerks nascono i Dhammatalks, con cui prendono forma canzoni come “Bile”, “Lato B” e “La Città”.

Dopo un periodo di pausa, arriva il lockdown del 2020. Lontano dai palchi, Tanesco trasforma quel momento in un’occasione per dedicarsi alla scrittura e alla registrazione domestica, realizzando diversi brani in acustico, tra cui “Ai margini del mondo”, “Lascia il segno” e “Rugiada”.

Nel 2025 torna a suonare con i Runar, ma nel 2026 decide di dare una nuova direzione al proprio percorso, sviluppando un progetto solista che porta il suo nome: Tanesco.

Il progetto prende forma recuperando brani scritti e registrati negli anni precedenti, tra cui nuove versioni di “Bile” e “Lato B”, affiancate dall’inedito “Spazio per me”.

La musica di Tanesco affonda le proprie radici nel rock americano degli anni Novanta e nel grunge di Seattle, senza limitarsi a riproporne le coordinate sonore. Le chitarre elettriche, elemento centrale del suo linguaggio, si intrecciano con una ricerca articolata sui cori e con testi in italiano dal carattere introspettivo. Nel suo immaginario convivono riferimenti eterogenei: il linguaggio chitarristico di Jimi Hendrix, le sonorità aperte e abrasive degli Afterhours, le stratificazioni vocali dei Queens of the Stone Age e la sensibilità melodica degli Scisma.

Ne emerge un rock viscerale e personale, che guarda alle proprie radici senza indulgere nella nostalgia. Una ricerca musicale e compositiva che mette al centro l’esigenza di dare forma e voce a ciò che spesso rimane inesplorato e difficile da esprimere.

ASCOLTA “BILE”!

https://orcd.co/tanescorunar-bile

EMOSYA – il nuovo singolo “Swallowed”

 

A volte è necessario che il tempo crei una distanza sufficiente per riconoscere e comprendere fino in fondo ciò che ci è accaduto. Dare un nome a un’esperienza dolorosa, però, non è sempre immediato: può richiedere un confronto con il passato e con emozioni rimaste a lungo inespresse. È proprio da questo percorso interiore che può nascere una nuova consapevolezza, quando ciò che è stato vissuto trova spazio per essere rielaborato attraverso la propria sensibilità.

Nel nuovo singolo “Swallowed”, gli EMOSYA affrontano un tema delicato e complesso: il confronto con se stessi e con le conseguenze di un abuso. Il testo non lo nomina mai in modo esplicito, ma ne lascia affiorare il peso attraverso immagini e parole come “the same look that cut through my pride like a knife” e “You touched me in ways I shouldn’t have been touched”. Frammenti che restituiscono la difficoltà di riconoscere quanto accaduto e di trovare le parole per affrontarlo.

Il racconto si sviluppa attraverso la voce di You, che acquisisce progressivamente consapevolezza di ciò che è successo. Le parti più intime e trattenute si alternano a momenti vocali più decisi, dando forma a un dolore rimasto a lungo inespresso, interiorizzato e nascosto. “Swallowed” diventa così uno spazio di confronto con la memoria, in cui il ricordo emerge gradualmente e la musica accompagna un processo di presa di coscienza senza cercare risposte semplici.

Anche sul piano sonoro il singolo segna un nuovo passaggio nella ricerca degli EMOSYA. Dopo “Forsaken”, la band presenta una veste alternative metal inedita, costruita su chitarre pesanti e taglienti, una batteria dal ritmo incalzante e un basso che sostiene e accompagna le diverse sfumature vocali. La voce alterna passaggi più delicati a esplosioni di maggiore intensità, mentre synth e tastiere ampliano la trama sonora, contribuendo a definire una nuova direzione per il progetto. Una scelta che conferma la volontà del gruppo di esplorare soluzioni diverse con ogni uscita, senza rinunciare alla propria identità.

EMOSYA è una band nata nel 2022, con radici nell’alternative rock e un’identità aperta a influenze e sonorità differenti.

Al centro del progetto c’è il frontman YOU, la cui dimensione emotiva prende forma attraverso cinque maschere ispirate ad altrettante emozioni primarie: rabbia, paura, gioia, disgusto e tristezza. Sul palco diventano personaggi distinti, ciascuno con un nome e un colore: Bliss rappresenta la gioia (giallo), Snare la rabbia (rosso), Bleuh il disgusto (verde), Scared la paura (viola) ed Elims la tristezza (blu). Attraverso questa dimensione visiva e narrativa, gli EMOSYA esplorano conflitti interiori, catarsi e relazioni complesse, portando alla luce emozioni e vissuti spesso difficili da esprimere.

ASCOLTA “SWALLOWED”!

https://orcd.co/emosya-swallowed

“Flying High”, il nuovo brano degli E.A.R.S.

 

Ci sono momenti in cui l’unico modo per comprendere davvero ciò che accade è allontanarsi dal proprio punto di vista e imparare a guardare le cose da una prospettiva diversa. È da questa riflessione che nasce “Flying High”, il nuovo brano degli E.A.R.S., che affronta il tema della separazione e dei cambiamenti che attraversano le relazioni umane, trasformando un momento di difficoltà in un’occasione di consapevolezza e ripartenza.

Il pezzo racconta la difficoltà di accettare che due percorsi di vita possano prendere direzioni differenti, soprattutto quando la fine di un rapporto arriva inaspettata e lascia dietro di sé domande e incomprensioni. Ma, al di là delle ragioni e delle responsabilità individuali, esiste la possibilità di superare il proprio egocentrismo e riconoscere una realtà più ampia, nella quale ogni esperienza acquista un significato diverso.

Volare alto, in questo senso, significa riuscire a osservare ciò che è stato senza rimanerne prigionieri, fare tesoro del passato e lasciare spazio al nuovo, senza escludere la possibilità di una riconciliazione, pur nella consapevolezza di un addio.

Anche l’immaginario visivo del brano contribuisce a svilupparne il significato. La copertina ritrae un paesaggio oceanico sospeso tra desolazione e movimento, dove le onde del mare si confondono con la spuma delle nuvole spinte dal vento. In questo scenario instabile emerge la figura di un albatros, richiamato anche nel testo della seconda strofa: simbolo di un ego solitario che, anziché lasciarsi sopraffare dagli eventi, osserva ciò che lo circonda e cerca la propria direzione seguendo la luce del sole.

All’orizzonte, parzialmente nascosto dal bagliore, compare un vascello: una presenza simbolica che rappresenta una possibile rotta da seguire, una via da ritrovare nel mezzo delle trasformazioni.

Gli E.A.R.S. (Eddyin’ Around Roamin’ Sounds) sono una rock band della provincia di Varese attiva nella formazione attuale dal 2022. Il gruppo sviluppa un linguaggio definito Alchemical Rock, fusione di folk, celtic, oriental, flamenco, blues, punk, grunge e metal in una cornice hardrock. La band predilige l’inglese per la sua musicalità e universalità espressiva. Il progetto discografico segue un percorso simbolico basato sui colori, sulla mitologia e sugli elementi alchemici.

Ogni membro della band incarna un elemento alchemico (Acqua, Terra, Fuoco, Aria) e un animale mitologico corrispondente (Kraken, Drago, Fenice, Leone), strutturando un immaginario simbolico che attraversa musica e testi. I membri: Rich (chitarra – Acqua/Kraken), Tony (basso – Fuoco/Fenice), Mark (batteria – Terra/Drago) e Niel (voce – Aria/Leone). Rich porta un’impronta ’60-’70, Tony un background tecnico-strumentale, Mark un’anima hardrock-progressive e Niel un’esperienza vocale che spazia dal jazz al gospel al musical.

Insieme costruiscono un immaginario sonoro e narrativo che mira a unire energia rock, simbologia e introspezione.

ASCOLTA “FLYING HIGH”!

https://orcd.co/ears-flyinghigh

I BLACKCOW tornano con “Zeus”

Un rock potente, richiami alla mitologia greca e una buona dose di irriverenza: i BLACKCOW tornano con “Zeus”, un brano che affronta le contraddizioni del mondo contemporaneo attraverso un linguaggio diretto, provocatorio e ironico.

Chitarre elettriche taglienti, una sezione ritmica incalzante e una voce roca e grintosa sono gli ingredienti di “Zeus”, il brano dei BLACKCOW che unisce l’energia dell’hard rock classico a sonorità melodiche e suggestioni anni Ottanta. Riff graffianti si alternano ad aperture più ariose, mentre synth e tastiere arricchiscono l’arrangiamento, dando vita a un sound dinamico, potente e ricco di sfumature.

Al centro della canzone c’è un’invocazione tanto insolita quanto attuale: chiedere la pace direttamente a Zeus, padre degli dèi dell’Olimpo. In un mondo attraversato da guerre, tensioni e rapporti umani sempre più complicati, il protagonista si rivolge alla divinità con un tono disincantato, interrogandosi su dove sia finito Ares, dio della guerra, e chiedendo semplicemente di poter vivere in pace.

Il testo gioca con l’immaginario della mitologia classica, trasportandolo in una dimensione contemporanea e decisamente irriverente. Cupido è in panne e non scaglia più frecce da millenni, Apollo diventa una possibile alternativa e persino Eirene, dea della pace, viene esortata a darsi da fare. Le figure mitologiche perdono così la loro solennità per diventare protagoniste di un racconto surreale, nel quale l’ironia si fa strumento per riflettere sulle contraddizioni della società.

Emblematica è la scelta di rivolgersi al sovrano dell’Olimpo chiamandolo “Zio Zeus”: un’espressione che ne ridimensiona immediatamente l’autorità divina, trasformandolo in un interlocutore familiare, quasi un vecchio conoscente al quale chiedere spiegazioni su un mondo che sembra aver perso la bussola.

Il finale mantiene lo stesso spirito dissacrante, con un saluto che mescola italiano e inglese e stempera la serietà del messaggio in una battuta: “Hey, zio Zeus, io ritorno alla base, I just want peace, ci vediamo a… Natale!”

“Zeus” è un brano che, senza rinunciare all’impatto sonoro e all’attitudine hard rock, lancia un messaggio semplice e universale: in mezzo al caos, ciò di cui abbiamo davvero bisogno è un po’ di pace.

I BLACKCOW nascono nel maggio 2025 in provincia di Padova dall’incontro di musicisti con una solida esperienza alle spalle. Il progetto prende vita da un’idea del batterista Andrea Bolpato, che riunisce alcuni vecchi compagni di viaggio: il bassista Luigi Gazzola e il cantante Luca Bortolato. Alla formazione si aggiunge Il Dottore, figura enigmatica e chitarrista dal carattere fuori dagli schemi, mentre nel marzo 2026 l’ingresso del tastierista Davide Scattolin, musicista attivo nel panorama musicale attuale, completa la line-up.

Il sound dei BLACKCOW si muove tra rock italiano e alternative, con un approccio diretto ed energico e una forte influenza delle sonorità degli anni Novanta. Le radici musicali dei componenti affondano proprio in quel periodo, attraverso diverse esperienze live maturate negli anni, tra progetti di musica originale, cover dei grandi classici degli anni Settanta e reinterpretazioni di band italiane e internazionali.

Un background eterogeneo che oggi confluisce nel progetto BLACKCOW, dove esperienze e influenze differenti trovano spazio in un’identità musicale personale e in continua evoluzione.

ASCOLTA “ZEUS”!

https://orcd.co/blackcow-zeus

 

V!KTORIA – è uscito “Scarabocchi”

 

Ci sono incontri in cui le parole arrivano dopo gli sguardi, e basta poco per sentirsi esposti più di quanto si vorrebbe. “Scarabocchi”, il nuovo singolo di V!KTORIA, racconta proprio quel momento in cui qualcuno sembra attraversare le nostre difese e intravedere ciò che ancora fatichiamo a mettere a fuoco.

Il disordine interiore diventa una tela da riempire, senza la pretesa di renderla perfetta o comprensibile a tutti.

«Sembra che tu legga quello che ho dentro / Mi fa paura e mi eccita un po’»: il testo restituisce l’ambivalenza di chi desidera essere visto, ma non sa quanto sia pronto a lasciarsi scoprire. L’intimità non viene idealizzata, è fatta di esitazioni, pensieri che si accavallano e una disponibilità a rischiare qualcosa di sé.

«Non voglio che sia tutto quanto perfetto / Mi basta solo che ci credi davvero» sposta il focus della storia: non servono risposte definitive, ma la volontà di esserci, anche quando il quadro è incompleto.

Tra il bisogno di controllo e il desiderio di abbandonarsi, “Scarabocchi” sceglie l’imprevisto, guardando alla la vulnerabilità come possibilità di incontro.

Non c’è un ordine da ristabilire, né un’immagine da difendere: ci si può scoprire insieme, anche attraverso ciò che non si riesce ancora a dire.

Il brano racconta così un’intimità che prende forma nel caos, quando smettere di cercare la perfezione diventa il primo passo verso qualcosa di autentico.

V!KTORIA, all’anagrafe Greta Sannino, è una cantautrice e songwriter torinese che dal 2022 porta avanti un progetto personale in cui l’immediatezza del pop incontra l’energia e l’attitudine punk. Parallelamente alla propria produzione, scrive brani per altri artisti, esplorando linguaggi e sonorità differenti. Con 17 brani pubblicati, ha delineato un’identità musicale riconoscibile, che trova sul palco la sua espressione più diretta: accompagnata da una band composta da batteria, basso e due chitarre, dà vita a un live intenso, viscerale e senza filtri.

Nel 2024 entra nel roster management di Sorry Mom! e, l’anno successivo, il videoclip di “Le cose che non so” viene presentato sulla pagina ufficiale di SkyTG24.

Il 2025 segna anche la sua presenza nella settimana del Festival di Sanremo, con interviste radiofoniche e partecipazioni a Casa Sanremo e Casa Bontempi. A giugno pubblica “Cocktail Bar”, seguito a settembre dal remix ufficiale, entrambi per Elisir Records e distribuiti da Visory Records.

Nel febbraio 2026 torna a Sanremo durante la settimana del Festival con “Le Sei”, proseguendo un percorso in cui scrittura, ricerca sonora e dimensione live restano elementi centrali. La sua musica conserva una cifra personale e spontanea, lontana da formule predefinite, in cui la contaminazione tra generi accompagna una scrittura diretta e autentica.

ASCOLTA “SCARABOCCHI”!

https://benext.lnk.to/scarabocchi

biovoid – esce “Nhuruk – Il canto dell’acqua”

 

Un progetto audiovisivo nato dalla collaborazione con Giacomo Melis, ambientato nella Sardegna nuragica e costruito attorno a un racconto che attraversa il tempo e le generazioni.

Nasce dalla collaborazione tra i biovoid e Giacomo Melis “Nhuruk”, il nuovo cortometraggio musicale che intreccia immaginario cinematografico, narrazione e musica in un racconto sospeso tra passato e futuro. L’idea originale del video è stata proprio del regista, che ha coinvolto la band in una collaborazione attiva, fornendo lo script e lasciando ampia libertà creativa nella definizione del mood musicale. A partire dalle suggestioni della storia, i biovoid hanno composto e realizzato il brano da zero.

Ambientato nella Sardegna nuragica, il cortometraggio segue le vicende di Nhuruk, un’anziana sacerdotessa, e Tahíi, una bambina di otto anni. Due figure appartenenti a epoche e mondi apparentemente distanti, i cui destini si intrecciano attraverso un mistero che supera i confini del tempo e dello spazio. Tra memorie ancestrali e visioni enigmatiche, qualcosa di antico torna a manifestarsi, risvegliando un legame destinato a rinnovarsi attraverso le generazioni.

In Nhuruk, il passato non è una dimensione conclusa, ma una presenza viva che continua a dialogare con il presente e con ciò che verrà. Le due protagoniste diventano così il tramite di una storia in cui le distanze temporali si dissolvono, suggerendo che alcune connessioni esistano da sempre, in attesa soltanto di essere ritrovate.

Tratto dal raccontino Abbardente di Pier Paolo Cavagna, “Nhuruk” è scritto e prodotto dai biovoid. Un progetto che testimonia la volontà della band di esplorare le possibilità espressive della musica in dialogo con le immagini, dando vita a un’opera audiovisiva in cui suono e narrazione si fondono in un universo evocativo e ricco di stratificazioni simboliche.

I biovoid sono un progetto musicale italiano nato nel novembre 2017 dall’incontro tra Massimiliano Guida (voce) e Domenico Giordano (chitarra e basso), con il coinvolgimento di Adriano Giordano nella fase iniziale.

Fin dagli esordi, il progetto si distingue per la volontà di fondere linguaggi musicali differenti, dando vita a un sound personale e difficilmente riconducibile a un unico genere, capace di alternare atmosfere intime a sonorità elettroniche e sperimentali.

Dopo la pubblicazione dei primi singoli, il percorso dei biovoid evolve con l’ingresso di Fortunato Serranò, fonico e polistrumentista, che assume un ruolo centrale nello sviluppo della produzione e degli arrangiamenti. Il suo contributo segna una svolta nella ricerca sonora del progetto, orientandolo verso una maggiore cura dei dettagli, un’esplorazione più approfondita delle texture e una visione produttiva sempre più definita.

Parallelamente alla ricerca musicale, i biovoid sviluppano un immaginario visivo che accompagna e amplifica la loro identità artistica. Fondamentale è la collaborazione con Francesco “Deddì” Calendini, autore delle cover art di diversi brani, tra cui “Invincible” e “No Land”. Il dialogo tra musica e arti visive si arricchisce nel tempo grazie al contributo di altri artisti, tra cui Giampiero Wallnofer, autore della copertina di “Hypnagogia”, e Roberto Recchioni, che firma l’artwork di “Far Beyond”, primo singolo pubblicato con l’etichetta Sorry Mom!.

Nel 2025 i Biovoid pubblicano “Invincible”, un brano alternative rock dal forte impatto emotivo che affronta il tema della fragilità e della capacità di restare saldi di fronte alle difficoltà. Il videoclip ufficiale ottiene importanti riconoscimenti in ambito cinematografico, venendo selezionato e premiato al Festival Internazionale del Cinema di Salerno e al The Hague Film Festival.

Questa fase segna un ulteriore momento di maturazione artistica per i biovoid, che consolidano un percorso in cui musica e immagine si intrecciano in modo sempre più consapevole. Un progetto in continua evoluzione, che fa della sperimentazione sonora, dell’introspezione e della ricerca visiva gli elementi fondamentali della propria identità.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=Cox4uqliq2Y