Simone Pittarello pubblica “Sole Nero”

 

Simone Pittarello firma con “Sole Nero” un incontro improbabile che prende forma tra legno consumato e bicchieri vuoti: un’osteria veneta fuori dal tempo, dove Charles Baudelaire, Jimi Hendrix, Johann Sebastian Bach e Andy C condividono lo stesso tavolo. Da lì nasce un brano che tiene insieme tensioni lontane, scrittura d’autore e aperture sonore che sfiorano la world music.

”Sole Nero” entra in una zona sospesa, dove il dolore non si esaurisce ma resta in circolo, come una presenza costante.

L’immagine centrale è chiara e insistente: “quel Sole Nero che brucia fin qui tutta la notte / e non tramonta più” e che diventa protagonista del lyric video, creando ambientazioni di ombre suggestive.

Non c’è alternanza, non c’è sollievo, solo una luce rovesciata che scalda e consuma allo stesso tempo. Il protagonista si muove dentro questa esposizione continua, cercando un modo per restare intero mentre qualcosa si sgretola.

Il tradimento si insinua senza dichiararsi apertamente, lasciando spazio a una frattura più sottile: “colpiscimi alle spalle e poi fidati di me”. È una dinamica che confonde, che tiene insieme bisogno e difesa, desiderio di abbandono e resistenza.

Da qui nasce una tensione che attraversa tutto il brano, fino a farsi richiesta esplicita nel ritornello: “non lasciarlo andare via, come fosse niente / Sole Nero che ha portato via un’altra parte di me”. Trattenere o lasciar andare diventa un equilibrio instabile, continuamente rimesso in discussione.

La scrittura segue questa oscillazione, alternando immagini fredde e improvvisi slanci, fino a un punto in cui la fragilità prende parola: “piccolo cuore mio di tenebra che splendi”. Dentro questa contraddizione si apre uno spazio inatteso, dove ciò che ferisce continua anche a illuminare, senza risolversi mai del tutto.

Musicalmente, il brano si muove tra cantautorato e rock d’autore, lasciando filtrare suggestioni ritmiche e timbriche che ampliano il paesaggio sonoro senza disperderlo. Le influenze convivono senza sovrapporsi, come se provenissero davvero da quel tavolo affollato e fuori asse.

Alla fine resta una domanda sospesa, quasi detta a mezza voce: il conto, chi lo paga davvero?

Simone Pittarello è un polistrumentista e cantautore padovano dotato di una voce potente e versatile. Attivo dalla fine degli anni ’90, ha lavorato come turnista, compositore SIAE e docente. Suona batteria, basso, chitarra, pianoforte, tastiere, tromba, percussioni e naturalmente la voce.

Nel corso degli anni ha partecipato a più di 35 progetti discografici, collaborando con numerose formazioni tra rock, cantautorato e ricerca vocale.

Parallelamente alla carriera musicale, ha svolto un intenso percorso di studio sulla vocalità, collaborando con il CNR e approfondendo gli esperimenti di Demetrio Stratos, esperienza che lo ha portato alla pubblicazione del trattato divulgativo “La Voce Libera” e all’attività di insegnante di canto dal 2009.

Nel 2013 vince tre premi al concorso nazionale Note d’Autore e nel 2014 il suo album autoprodotto “Esco un attimo” riceve una nomination al Premio Tenco. Dopo varie produzioni e collaborazioni, nel 2023 torna al percorso solista con l’album “Lo Sconosciuto”, seguito da una serie di singoli pubblicati con Sorry Mom! ed Engine Records.

ASCOLTA “SOLE NERO”!

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“Icarus” è il nuovo singolo degli Ain’t No Lullaby

 

“Icarus” è il nuovo singolo degli Ain’t No Lullaby, un brano che prende ispirazione dal celebre mito di Dedalo e Icaro, ribaltandone però il punto di vista. A raccontare la storia è Icaro stesso: non più il giovane imprudente, ma una voce affamata di vita, libertà e possibilità.

Il brano si configura come una dedica ai sognatori, a chi sceglie di rischiare e di sbagliare pur di vivere pienamente. Sebbene il mito tradizionale si concluda con la caduta di Icaro, consumato dalla sua vicinanza al sole, qui emerge una prospettiva diversa: quella di chi, prima di cadere, ha conosciuto un’intensità assoluta fatta di emozioni, adrenalina e senso di libertà.

Anche il sound accompagna questo viaggio. Dall’atmosfera iniziale, claustrofobica e opprimente, che richiama il labirinto costruito da Dedalo, il brano si sviluppa in un crescendo che segue le tappe della liberazione: la fuga, il volo e, infine, l’affermazione di Icaro.

Una rivendicazione potente e consapevole, quella di aver inseguito il proprio sogno fino in fondo, spingendosi oltre ogni limite conosciuto.

Gli Ain’t No Lullaby sono un duo acustico voce (Giulia Colombrita) e chitarra (Davide De Lazzer) che propone un viaggio tra generi e atmosfere: dalle vibrazioni del rock al calore del folk, fino a suggestioni più cupe e introspettive dal respiro dark.

Ogni brano inedito è una narrazione sincera, costruita su arrangiamenti essenziali e intensi, dove la voce e la chitarra s’intrecciano, producendo di volta in volta, armonie compiute e dissonanze.

Il progetto è nato nel 2022 anche se entrambi avevano già suonato in precedenti band assieme in gioventù. Oltre ai brani inediti, il duo propone anche cover acustiche reinterpretate con arrangiamenti personali, privilegiando il repertorio acoustic rock dagli anni ’70 ai ’90.

ASCOLTA “ICARUS”!

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Oblomov, il nuovo singolo dei PIANO 9

 

Ispirato al celebre romanzo di Ivan Gončarov, Oblomov il nuovo singolo dei PIANO 9, prende forma come una riflessione intensa e contemporanea su procrastinazione, auto-sabotaggio e disconnessione dalla realtà. L’opera non si limita a raccontare l’indolenza del suo protagonista, ma ne esplora le radici più profonde: un sentimento di rifiuto verso un mondo dominato da scadenze, responsabilità e aspettative sociali sempre più pressanti.

Da questa visione nasce il concetto di “oblomovismo”: una condizione esistenziale fatta di inerzia consapevole e dolorosa, in cui il desiderio di cambiamento si scontra con l’incapacità di agire. È il blocco di chi, pur intuendo la direzione giusta, resta immobile per paura, stanchezza o insofferenza verso una realtà scandita da ritmi frenetici e dinamiche opprimenti.

In questo scenario, rifugiarsi nel proprio universo diventa una scelta tanto rassicurante quanto sterile: una comfort zone caratterizzata da un continuo fare e disfare, senza mai giungere a una conclusione. Tutto resta sospeso, in un perenne stato di trasformazione, dove ogni tentativo sembra destinato a ricominciare da capo.

A rafforzare questa visione contribuisce il suggestivo videoclip realizzato dalla sand artist Gabriella Compagnone: un’opera visiva ipnotica e simbolica, che si costruisce e si dissolve senza sosta, incarnando perfettamente l’idea di un ciclo infinito, privo di una forma definitiva.

Oblomov diventa così un racconto che è anche specchio delle contraddizioni contemporanee, in cui immobilità e inquietudine convivono, dando voce a un disagio tanto personale quanto universale.

I PIANO 9 nascono a Roma nel 2011 e si affermano nel tempo come una presenza solida nella scena alternative grunge italiana. Il nome della band è un omaggio al film “Plan 9 From Outer Space” di Ed Wood, passato alla storia come uno dei peggiori mai realizzati: una scelta che riflette fin da subito l’attitudine ironica e controcorrente del progetto.

Dopo un’intensa attività live nella capitale, la band esordisce discograficamente nel 2019 con “Overbooking”, un lavoro che si impone come voce fuori dal coro, capace di emergere in un contesto che spesso ignora chi sceglie di non conformarsi.

Nel 2025, a seguito di un cambio di formazione, i PIANO 9 tornano in studio con nuovo materiale e, soprattutto, con una rinnovata consapevolezza artistica. Questo percorso li conduce verso sonorità più mature e riflessioni più profonde, con uno sguardo lucido rivolto sia all’interiorità che alla realtà contemporanea.

Sotto la guida di Valerio Fisik – che cura registrazione, mix e mastering – i nuovi brani restituiscono atmosfere acide e torbide, attraversate da una forte componente melodica. Il risultato è un equilibrio tra tensione e fascino, in cui testi e suoni si fondono dando vita a un’esperienza intensa e coinvolgente.

Cinque musicisti, uniti dalla passione per sonorità e concept che oscillano tra disadattamento, introspezione e impegno. Cinque sensibilità diverse che convergono in un’unica energia, viva e in continua evoluzione.

Il 2026 si preannuncia come un anno cruciale per la band: nuovi suoni, nuove direzioni e un disco in lavorazione che si prospetta come un vero e proprio manifesto, capace di racchiudere l’essenza più autentica dei PIANO 9.

ASCOLTA “OBLOMOV”!

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Gli AlchemicA presentano “Chiudi gli occhi”

 

Gli AlchemicA presentano “Chiudi gli occhi”, un brano che attraversa il Novecento e si deposita nel presente, portando con sé una consapevolezza scomoda: restare lucidi, oggi, ha un costo sempre più alto.

Il testo si apre su un paesaggio inaridito, dove anche i desideri sembrano cadere senza lasciare traccia. Le stelle non indicano più direzioni, si spengono in un vuoto che riflette una società incapace di immaginare. Esatta è infatti la metafora sottile al decadimento del sogno americano fatta di “stelle che cadono” e “strisce dipinte nel blu. In questo spazio si insinua il “serpente” mediatico: un flusso continuo che intrattiene, seduce e attenua il pensiero critico, trasformando l’attenzione in assuefazione. La memoria storica entra senza mediazioni.

“Cadevan muri / non cadono più” richiama una frattura che sembrava chiusa e invece torna a riaprirsi: se Berlino ci aveva fatto sperare in una nuova era, oggi invece i muri non sono scomparsi, hanno solo cambiato forma. Il “diverso” diventa pretesto, una scorciatoia per giustificare nuove divisioni. Accanto, si insinua il dubbio: il benessere materiale coincide davvero con la libertà o ne è una versione addomesticata?

Il cuore del brano si stringe attorno a un’immagine precisa: “Non passano più i treni / ma che paura mi fa / ancora questo rumore inciso nell’anima”. Il riferimento alla deportazione e all’Olocausto è palese ed inevitabile, anche se non esplicito. I treni non passano più, eppure il loro suono continua a esistere, come memoria che non si cancella e come possibilità che ritorna. Da qui nasce l’angoscia più profonda: il timore di un nuovo “sonno della ragione”, in cui l’orrore smette di essere eccezione e torna a essere normalità.

“Chiudi gli occhi / il cuore non sentirà… salvati l’anima” diventa un comando paradossale: chi non regge lo sguardo crede di proteggersi, ma rinuncia a vedere, a riconoscere, a opporsi.

Il videoclip in bianco e nero amplifica questa ambiguità: macerie senza tempo, immagini la cui origine sarebbe difficile stabilire con certezza. Passato e presente si sovrappongono fino a confondersi, rendendo impossibile distinguere ciò che è stato da ciò che sta accadendo ora.

Prodotto da Andrea Rigonat e con la collaborazione in studio di Cosimo Distratis alla batteria, il brano mantiene una tensione costante tra malinconia e urgenza.

“Chiudi gli occhi” osserva un’umanità che ha già visto tutto e sceglie comunque di non riconoscerlo, mentre il rumore della storia continua a vibrare sotto la superficie.

Gli AlchemicA sono una band nata nel 2004 dalla fusione di musicisti del Friuli Venezia Giulia. Brani con forte carattere cantautorale ma dall’anima Rock. Testi in italiano e musica dal respiro internazionale. Per ben tre volte la band cavalca il palco del teatro Ariston per le finali del San Remo Rock. La discografia vede 3 album ed un quarto in uscita a giugno in distribuzione Universal Music Italia.

Attualmente la formazione è composta da Gianpiero Augusti alla voce e chitarra – Marco Beltrame – chitarra – Marco Bertoli tastiere – Daniele Deiuri alla batteria – Sirio Ceschia al basso – Alice Soranzio ai cori.

La band vanta oltre 500 concerti nella propria storia, partendo dai club fino ai palchi più importanti. Una dimensione rock che strizza l’occhio al mondo cantautorale, i testi sono parte fondamentale dell’esperienza di ascolto, il suono si modella come un vestito sui brani proposti, da momenti più graffianti a momenti più intimi ed eleganti.

Il concerto offre all’ascoltatore un verso viaggio attraverso le varie canzoni, tra momenti più spensierati e momenti più profondi, senza mai cadere nel banale.

ASCOLTA “CHIUDI GLI OCCHI”!

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La Corte Marziana pubblica “Oltre la fine”

 

La Corte Marziana pubblica “Oltre la fine”, un brano diretto e intenso che affronta il tema del rapporto tra l’uomo e il senso del sacro, mettendo in discussione certezze e convinzioni radicate.

Il testo si sviluppa come un monologo esistenziale che riflette sui dogmi e sulle contraddizioni della storia, parlando di “colpe ancestrali” e di quegli “alibi santi” che spesso hanno giustificato errori e ambiguità. Al centro resta il bisogno umano di trovare risposte, anche quando queste si rivelano fragili o illusorie.

Il brano non offre soluzioni, ma lascia spazio al dubbio, visto come elemento necessario per comprendere se stessi e il mondo.

In questo senso, “Oltre la fine” diventa una ricerca aperta, sospesa tra domande e possibilità.

Dal punto di vista musicale, il singolo si muove in ambito rock alternativo, con un sound dinamico e contemporaneo. L’arrangiamento accompagna il testo senza sovraccaricarlo, mantenendo un equilibrio tra energia e profondità.

Con questo nuovo lavoro, La Corte Marziana prosegue il proprio percorso artistico, unendo contenuto e suono in modo coerente e riconoscibile.

La Corte Marziana è un progetto Alternative Rock di origine bresciana. La band si distingue per la proposta di musica inedita cantata in italiano, fondendo diverse influenze musicali in uno stile personale.

Il nucleo originario del progetto si è formato dall’incontro tra il bassista Alberto Tosoni e il chitarrista Paolo Giannini, le cui radici musicali spaziano dal britpop all’underground. A questa base si è unito il cantante Giovanni Tona, portando un approccio più cantautorale. L’ingresso del batterista Emanuele Danesi (la formazione attuale è a quattro elementi) ha ulteriormente definito il sound verso un Alternative Rock viscerale e incalzante.

La Corte Marziana si caratterizza per l’intento di unire ritmiche energiche a testi attenti e consapevoli, cercando di mantenersi lontana dai cliché del genere. Il loro lavoro si concentra sulla ricerca di uno stile originale che mantenga la tensione emotiva e l’impatto sonoro tipici del rock alternativo.

ASCOLTA “OLTRE LA FINE”!

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I the Ashes debuttano con il nuovo singolo “7 Seconds of Peace”

 

I the Ashes debuttano con il nuovo singolo “7 Seconds of Peace”, un brano rock dal forte richiamo alle sonorità degli anni ’90, caratterizzato da un impatto diretto ed energico.

Il pezzo si costruisce su due chitarre elettriche graffianti che danno vita a un vero e proprio muro sonoro, sostenuto da un basso pulsante e da una sezione ritmica potente e incisiva. Il ritornello, trascinante e immediato, è arricchito da cori che ne amplificano l’intensità, conducendo l’ascoltatore verso un assolo di chitarra intenso e deciso.

Dal punto di vista tematico, “7 Seconds of Peace” esplora il conflitto interiore di chi si confronta con una profonda inquietudine e con desideri difficili da controllare. Il protagonista del brano vive una tensione costante tra il desiderio di migliorarsi e una fame emotiva impossibile da placare. Tra amore, fragilità e contraddizioni, emerge una ricerca disperata di tregua, anche solo per pochi istanti: sette secondi di pace.

Con questo singolo, i the Ashes uniscono energia rock e introspezione emotiva in un equilibrio potente e coinvolgente.

The Ashes è una rock band che trasforma emozioni crude e conflitti interiori in un suono potente e diretto. Le loro canzoni mescolano chitarre graffianti, basso pulsante e batterie energiche a ritornelli che restano impressi, creando un rock viscerale e contemporaneo, con radici negli anni ’90. Cenere che non si spegne, ma diventa materia viva che continua a generare vibrazioni reali.

ASCOLTA “7 SECONDS OF PEACE”!

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I 3 O’ Clock tornano con “Howlin’ Wolf”

 

I 3 O’ Clock tornano con “Howlin’ Wolf”, un brano che si muove come un richiamo nella notte. “Are you a Howlin’ Wolf?” è la domanda che lo attraversa e che resta sospesa, diretta, senza cercare scorciatoie: mette a fuoco una scelta, quella tra restare aderenti alla propria natura o adattarsi a ciò che viene imposto. Il lupo emerge come figura di forza e autenticità, legata a un istinto primordiale che rifiuta compromessi. Attorno, prende forma un contesto fatto di regole, strutture e modelli predefiniti, messi in discussione apertamente: “Is this an institution!? / Is this the American Dream?” diventa il punto in cui la tensione affiora, incrinando certezze che sembravano solide.

Nel testo si avverte una spinta continua verso la rottura, un’urgenza che cresce e si accumula. “I wanna jump the wall” traduce il bisogno di superare limiti concreti, mentre “Do you feel like a bomb inside?” intercetta quella pressione interna che cerca uno sfogo. L’ululato diventa così un atto di esposizione totale, un segnale lanciato senza filtri, una presa di posizione.

Sul piano sonoro, il brano si colloca tra le coordinate AOR di Def Leppard e Bon Jovi, con uno sguardo rivolto al presente: cori in evidenza, chitarre distorte, un ritornello immediato e una sezione ritmica solida, costruita per sostenere l’impatto senza dispersioni.

“Howlin’ Wolf” cattura l’istante in cui qualcosa si muove sotto la superficie e chiede spazio. Sta a chi ascolta decidere se ignorare il proprio lupo interiore, metafora della potenza naturale e della libertà primordiale, o seguirlo per abbracciare l’istinto e vivere con autenticità selvaggia.

I 3 O’Clock nascono come cover band dedicata ai grandi nomi della storia del rock — dai Rolling Stones ai Beatles, dai Led Zeppelin agli AC/DC, fino a Bon Jovi e Queen. La passione per le radici del genere si è presto trasformata in una nuova identità autoriale: dal 2024 il gruppo propone brani originali che fondono l’energia del classic rock con l’anima ruvida dell’alternative, conquistando un pubblico sempre più ampio.

Tra i loro singoli più apprezzati, “Eden”, una ballad intima che esplode in potenza emotiva, “On Your Own”, un omaggio al rock di fine anni ’80 rivisitato con modernità, e “Way”, un inno dedicato a chi vive la musica come libertà. Con “On Your Own” la band ha raggiunto le finali di Sanremo Rock 2025, esibendosi sul prestigioso palco del Teatro Ariston.

L’obiettivo dei 3 O’Clock è chiaro: portare il proprio rock su quanti più palchi possibile, condividendo quella scarica di energia autentica che solo la musica live può regalare.

La formazione attuale vede Marco “AM” Amaolo alla voce, Federico Cittadini alla chitarra, Arnaldo Rosati al basso e Federico Zuccaccia alla batteria.

ASCOLTA “HOWLIN’ WOLF”!

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Gli Stoned Turtle presentano “Human”

 

Gli Stoned Turtle presentano “Human”, un brano che si muove in uno spazio opaco, dove la realtà perde definizione e il rumore di fondo si trasforma in silenzio interiore. Inserita nell’EP “Nothing Left But Silence”, la traccia sposta l’attenzione lontano da scenari spettacolari, concentrandosi su un logoramento più sottile, quotidiano.

Al centro c’è una disconnessione che non esplode, ma si consuma lentamente. Il testo segue questa deriva invisibile, fatta di circuiti sovraccarichi e impulsi esausti, in cui l’iperconnessione continua finisce per svuotare ogni contatto reale. L’umanità che emerge è affaticata, sospesa tra presenza e assenza, intrappolata in una rete che promette connessione e restituisce isolamento. L’istinto lascia spazio a meccanismi automatici, la condivisione si trasforma in una distanza elegante, quasi impercettibile, mentre resta aperta una domanda: quanto rimane di autentico sotto questa superficie?

Il videoclip accompagna questa percezione alterata con immagini sfocate, instabili, che rendono visibile la fatica di mettere a fuoco ciò che si ha davanti.Guardare diventa uno sforzo, distinguere il reale dal virtuale un esercizio sempre più incerto, fino a lasciare una sensazione di stanchezza che si deposita nello sguardo.

Sul piano sonoro, “Human” affonda nelle atmosfere del grunge di Seattle, richiamando le tensioni di Alice in Chains e Nirvana, con aperture più lente e riflessive che rimandano ai Pearl Jam. Chitarre dense e stratificate si alternano a momenti più rarefatti, costruendo un equilibrio instabile che segue da vicino il tema del brano.

“Human” resta in bilico tra presenza e dissolvenza, mentre lo sguardo prova ancora a mettere a fuoco qualcosa che continua a sfuggire.

Formati nel 2018, gli Stoned Turtle sono una band genovese alternative rockcon radici grunge e influenze che spaziano dal metal a sonorità più sperimentali. Fin dalla loro nascita hanno costruito un sound intenso e dinamico, caratterizzato da testi introspettivi e arrangiamenti ricchi di energia.

Dopo il debutto con il singolo Blackout e il primo disco omonimo registrato al Blackwave Studio di Fabio Palombi (Nerve, Burn The Ocean), la band ha rinnovato la formazione nel giugno 2024 con un nuovo cantante e chitarrista, dando vita a un’evoluzione sonora più matura e potente.

Nell’ottobre 2025, anticipato dal singolo “Beheaded”, esce il nuovo EP “Nothing Left But Silence”, registrato nello stesso studio, che conferma la loro capacità di unire radici alternative e grunge a un rock autentico e viscerale, pronto a coinvolgere chiunque lo ascolti.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=Zw2aYyT84tg

The NUV – “Atomic” – È il singolo che anticipa l’uscita del nuovo lavoro in studio

 

I The NUV aprono una finestra su un mondo che si sgretola senza fare rumore con “Atomic”, primo passo verso il nuovo album di prossima uscita.

Un brano che osserva la catastrofe da una posizione immobile, quasi domestica: seduti sul divano mentre tutto accelera verso il collasso.

Dentro “Atomic” si accumula una tensione lucida, disturbante. La corsa agli armamenti diventa sfondo costante, una presenza che cresce mentre perde qualsiasi giustificazione. “One for all and all for the bombs!” suona come uno slogan rovesciato, una collettività che si stringe attorno alla distruzione invece che alla sopravvivenza. L’immagine si allarga fino a diventare globale: “A mushroom cloud. The Earth a smash room”, il pianeta trasformato in una stanza da demolire, dove il gesto violento è ripetuto fino a diventare abitudine.

Il testo si muove tra visioni allucinate e consapevolezza paralizzante. Il desiderio di fuga resta bloccato in una realtà che non lascia appigli — “I can’t move on; I’m stuck in a movie” — come se tutto fosse già scritto, già visto, e proprio per questo impossibile da evitare. Anche il riferimento a Fallout si inserisce in questo cortocircuito: la finzione e il presente si sovrappongono fino a confondersi, mentre il passaggio alla “stagione due” assume il peso di una minaccia concreta, imminente.

L’alternanza tra strofe ipnotiche e ritornelli che esplodono costruisce un equilibrio instabile, fatto di luci e ombre che si rincorrono senza mai fermarsi. In queste crepe prende forma anche il disgusto, esplicito, dichiarato: “I’m sick and mad! / No chance, no band aid!”, un rifiuto netto di una realtà che non offre riparo né soluzioni.

Il video accompagna questa visione senza attenuarla: le immagini di Hiroshima e Nagasaki dopo l’attacco atomico diventano presenza diretta, memoria che torna a galla e si sovrappone al presente. Nessuna distanza di sicurezza, solo un richiamo frontale a ciò che è stato e a ciò che potrebbe ripetersi.

Sul piano sonoro, “Atomic” si inserisce in un alternative rock di matrice britannica, tra le traiettorie dei Gorillaz e dei Kasabian: groove serrati, stratificazioni elettroniche, aperture melodiche che si trasformano in detonazioni controllate.

“Atomic” resta lì, sospesa tra osservazione e implosione, mentre tutto intorno continua a muoversi troppo in fretta.

The NUV è una band alternative rock caratterizzata da un suono deciso e potente, nata alle porte della Brianza nel 2003. Formata da Demis Maloy Tripodi (voce e chitarra), Andrea Caristo (batteria) e Dante Brin (basso), ha realizzato vari EP e due LP (“Top Model Super Fashion” – 2010; “The Nuv Sucks [No, Really!]” – 2014) ai quali sono seguiti numerosi concerti in Italia e all’estero (Belgio, Germania, Austria, USA, Liechtenstein).

Dopo alcuni anni di inattività, tornano con il terzo album “Belgian Hop[e]” pubblicato il 23 ottobre 2021 in collaborazione con Moquette Records (ITA) e Mottow Soundz (BEL). Questo lavoro ha segnato per il trio una forte evoluzione, sia per il sound che per la maturità compositiva, e ha rafforzato il legame con la scena europea.

Ad aprile 2026 esce il singolo “Atomic” che precede l’uscita del nuovo album in autunno. Si tratta del quarto capitolo in studio interamente autoprodotto dalla band e vedrà la collaborazione con I Dischi del Minollo (ITA), Waddafuzz Recors (ITA), Araki Records (FRA) e Sorry Mom!.

ASCOLTA “ATOMIC”!

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“Giorgia – Love” è il nuovo singolo del 7RI8

 

“Giorgia – Love” è il nuovo singolo del 7RI8 estratto dall’omonimo album, un brano che si distingue per le sue sonorità sospese tra new wave e rock anni ’80, capaci di evocare atmosfere intime e senza tempo.

All’interno del disco, “Giorgia” si presenta come una parentesi poetica e riflessiva: un elemento delicato ma incisivo, un fiore profumato che arricchisce e completa l’identità sonora del progetto.

La traccia non racconta l’amore in modo diretto, ma ne è profondamente attraversato. Un sentimento che emerge in forme sottili e sfumate, insinuandosi tra le parole e le melodie, lasciando spazio all’interpretazione e all’emozione dell’ascoltatore.

Il 7RI8 è una rock band italiana nata nel 2019 a Belluno, tra le Dolomiti e il mare Adriatico.

Il trio propone un sound graffiante e viscerale, pensato per risvegliare emozioni attraverso un mix di groove moderni e richiami alla tradizione rock. Le loro sonorità si muovono tra distorsioni grunge, punk e alternative rock anni ’90 e 2000, con una velata influenza della musica anni ’80 che emerge in melodie e ritmiche.

Forti di una solida esperienza live maturata in provincia attraverso progetti paralleli e precedenti, i 7RI8 pongono grande attenzione alla dimensione dell’esibizione e al contatto diretto con il pubblico.

La loro musica nasce per le persone: per condividere emozioni, raccontare storie e viverle insieme, brano dopo brano.

ASCOLTA “GIORGIA – LOVE”!

Spotify: https://bit.ly/3OVclIh