“Flying High”, il nuovo brano degli E.A.R.S.

 

Ci sono momenti in cui l’unico modo per comprendere davvero ciò che accade è allontanarsi dal proprio punto di vista e imparare a guardare le cose da una prospettiva diversa. È da questa riflessione che nasce “Flying High”, il nuovo brano degli E.A.R.S., che affronta il tema della separazione e dei cambiamenti che attraversano le relazioni umane, trasformando un momento di difficoltà in un’occasione di consapevolezza e ripartenza.

Il pezzo racconta la difficoltà di accettare che due percorsi di vita possano prendere direzioni differenti, soprattutto quando la fine di un rapporto arriva inaspettata e lascia dietro di sé domande e incomprensioni. Ma, al di là delle ragioni e delle responsabilità individuali, esiste la possibilità di superare il proprio egocentrismo e riconoscere una realtà più ampia, nella quale ogni esperienza acquista un significato diverso.

Volare alto, in questo senso, significa riuscire a osservare ciò che è stato senza rimanerne prigionieri, fare tesoro del passato e lasciare spazio al nuovo, senza escludere la possibilità di una riconciliazione, pur nella consapevolezza di un addio.

Anche l’immaginario visivo del brano contribuisce a svilupparne il significato. La copertina ritrae un paesaggio oceanico sospeso tra desolazione e movimento, dove le onde del mare si confondono con la spuma delle nuvole spinte dal vento. In questo scenario instabile emerge la figura di un albatros, richiamato anche nel testo della seconda strofa: simbolo di un ego solitario che, anziché lasciarsi sopraffare dagli eventi, osserva ciò che lo circonda e cerca la propria direzione seguendo la luce del sole.

All’orizzonte, parzialmente nascosto dal bagliore, compare un vascello: una presenza simbolica che rappresenta una possibile rotta da seguire, una via da ritrovare nel mezzo delle trasformazioni.

Gli E.A.R.S. (Eddyin’ Around Roamin’ Sounds) sono una rock band della provincia di Varese attiva nella formazione attuale dal 2022. Il gruppo sviluppa un linguaggio definito Alchemical Rock, fusione di folk, celtic, oriental, flamenco, blues, punk, grunge e metal in una cornice hardrock. La band predilige l’inglese per la sua musicalità e universalità espressiva. Il progetto discografico segue un percorso simbolico basato sui colori, sulla mitologia e sugli elementi alchemici.

Ogni membro della band incarna un elemento alchemico (Acqua, Terra, Fuoco, Aria) e un animale mitologico corrispondente (Kraken, Drago, Fenice, Leone), strutturando un immaginario simbolico che attraversa musica e testi. I membri: Rich (chitarra – Acqua/Kraken), Tony (basso – Fuoco/Fenice), Mark (batteria – Terra/Drago) e Niel (voce – Aria/Leone). Rich porta un’impronta ’60-’70, Tony un background tecnico-strumentale, Mark un’anima hardrock-progressive e Niel un’esperienza vocale che spazia dal jazz al gospel al musical.

Insieme costruiscono un immaginario sonoro e narrativo che mira a unire energia rock, simbologia e introspezione.

ASCOLTA “FLYING HIGH”!

https://orcd.co/ears-flyinghigh

I BLACKCOW tornano con “Zeus”

Un rock potente, richiami alla mitologia greca e una buona dose di irriverenza: i BLACKCOW tornano con “Zeus”, un brano che affronta le contraddizioni del mondo contemporaneo attraverso un linguaggio diretto, provocatorio e ironico.

Chitarre elettriche taglienti, una sezione ritmica incalzante e una voce roca e grintosa sono gli ingredienti di “Zeus”, il brano dei BLACKCOW che unisce l’energia dell’hard rock classico a sonorità melodiche e suggestioni anni Ottanta. Riff graffianti si alternano ad aperture più ariose, mentre synth e tastiere arricchiscono l’arrangiamento, dando vita a un sound dinamico, potente e ricco di sfumature.

Al centro della canzone c’è un’invocazione tanto insolita quanto attuale: chiedere la pace direttamente a Zeus, padre degli dèi dell’Olimpo. In un mondo attraversato da guerre, tensioni e rapporti umani sempre più complicati, il protagonista si rivolge alla divinità con un tono disincantato, interrogandosi su dove sia finito Ares, dio della guerra, e chiedendo semplicemente di poter vivere in pace.

Il testo gioca con l’immaginario della mitologia classica, trasportandolo in una dimensione contemporanea e decisamente irriverente. Cupido è in panne e non scaglia più frecce da millenni, Apollo diventa una possibile alternativa e persino Eirene, dea della pace, viene esortata a darsi da fare. Le figure mitologiche perdono così la loro solennità per diventare protagoniste di un racconto surreale, nel quale l’ironia si fa strumento per riflettere sulle contraddizioni della società.

Emblematica è la scelta di rivolgersi al sovrano dell’Olimpo chiamandolo “Zio Zeus”: un’espressione che ne ridimensiona immediatamente l’autorità divina, trasformandolo in un interlocutore familiare, quasi un vecchio conoscente al quale chiedere spiegazioni su un mondo che sembra aver perso la bussola.

Il finale mantiene lo stesso spirito dissacrante, con un saluto che mescola italiano e inglese e stempera la serietà del messaggio in una battuta: “Hey, zio Zeus, io ritorno alla base, I just want peace, ci vediamo a… Natale!”

“Zeus” è un brano che, senza rinunciare all’impatto sonoro e all’attitudine hard rock, lancia un messaggio semplice e universale: in mezzo al caos, ciò di cui abbiamo davvero bisogno è un po’ di pace.

I BLACKCOW nascono nel maggio 2025 in provincia di Padova dall’incontro di musicisti con una solida esperienza alle spalle. Il progetto prende vita da un’idea del batterista Andrea Bolpato, che riunisce alcuni vecchi compagni di viaggio: il bassista Luigi Gazzola e il cantante Luca Bortolato. Alla formazione si aggiunge Il Dottore, figura enigmatica e chitarrista dal carattere fuori dagli schemi, mentre nel marzo 2026 l’ingresso del tastierista Davide Scattolin, musicista attivo nel panorama musicale attuale, completa la line-up.

Il sound dei BLACKCOW si muove tra rock italiano e alternative, con un approccio diretto ed energico e una forte influenza delle sonorità degli anni Novanta. Le radici musicali dei componenti affondano proprio in quel periodo, attraverso diverse esperienze live maturate negli anni, tra progetti di musica originale, cover dei grandi classici degli anni Settanta e reinterpretazioni di band italiane e internazionali.

Un background eterogeneo che oggi confluisce nel progetto BLACKCOW, dove esperienze e influenze differenti trovano spazio in un’identità musicale personale e in continua evoluzione.

ASCOLTA “ZEUS”!

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V!KTORIA – è uscito “Scarabocchi”

 

Ci sono incontri in cui le parole arrivano dopo gli sguardi, e basta poco per sentirsi esposti più di quanto si vorrebbe. “Scarabocchi”, il nuovo singolo di V!KTORIA, racconta proprio quel momento in cui qualcuno sembra attraversare le nostre difese e intravedere ciò che ancora fatichiamo a mettere a fuoco.

Il disordine interiore diventa una tela da riempire, senza la pretesa di renderla perfetta o comprensibile a tutti.

«Sembra che tu legga quello che ho dentro / Mi fa paura e mi eccita un po’»: il testo restituisce l’ambivalenza di chi desidera essere visto, ma non sa quanto sia pronto a lasciarsi scoprire. L’intimità non viene idealizzata, è fatta di esitazioni, pensieri che si accavallano e una disponibilità a rischiare qualcosa di sé.

«Non voglio che sia tutto quanto perfetto / Mi basta solo che ci credi davvero» sposta il focus della storia: non servono risposte definitive, ma la volontà di esserci, anche quando il quadro è incompleto.

Tra il bisogno di controllo e il desiderio di abbandonarsi, “Scarabocchi” sceglie l’imprevisto, guardando alla la vulnerabilità come possibilità di incontro.

Non c’è un ordine da ristabilire, né un’immagine da difendere: ci si può scoprire insieme, anche attraverso ciò che non si riesce ancora a dire.

Il brano racconta così un’intimità che prende forma nel caos, quando smettere di cercare la perfezione diventa il primo passo verso qualcosa di autentico.

V!KTORIA, all’anagrafe Greta Sannino, è una cantautrice e songwriter torinese che dal 2022 porta avanti un progetto personale in cui l’immediatezza del pop incontra l’energia e l’attitudine punk. Parallelamente alla propria produzione, scrive brani per altri artisti, esplorando linguaggi e sonorità differenti. Con 17 brani pubblicati, ha delineato un’identità musicale riconoscibile, che trova sul palco la sua espressione più diretta: accompagnata da una band composta da batteria, basso e due chitarre, dà vita a un live intenso, viscerale e senza filtri.

Nel 2024 entra nel roster management di Sorry Mom! e, l’anno successivo, il videoclip di “Le cose che non so” viene presentato sulla pagina ufficiale di SkyTG24.

Il 2025 segna anche la sua presenza nella settimana del Festival di Sanremo, con interviste radiofoniche e partecipazioni a Casa Sanremo e Casa Bontempi. A giugno pubblica “Cocktail Bar”, seguito a settembre dal remix ufficiale, entrambi per Elisir Records e distribuiti da Visory Records.

Nel febbraio 2026 torna a Sanremo durante la settimana del Festival con “Le Sei”, proseguendo un percorso in cui scrittura, ricerca sonora e dimensione live restano elementi centrali. La sua musica conserva una cifra personale e spontanea, lontana da formule predefinite, in cui la contaminazione tra generi accompagna una scrittura diretta e autentica.

ASCOLTA “SCARABOCCHI”!

https://benext.lnk.to/scarabocchi

biovoid – esce “Nhuruk – Il canto dell’acqua”

 

Un progetto audiovisivo nato dalla collaborazione con Giacomo Melis, ambientato nella Sardegna nuragica e costruito attorno a un racconto che attraversa il tempo e le generazioni.

Nasce dalla collaborazione tra i biovoid e Giacomo Melis “Nhuruk”, il nuovo cortometraggio musicale che intreccia immaginario cinematografico, narrazione e musica in un racconto sospeso tra passato e futuro. L’idea originale del video è stata proprio del regista, che ha coinvolto la band in una collaborazione attiva, fornendo lo script e lasciando ampia libertà creativa nella definizione del mood musicale. A partire dalle suggestioni della storia, i biovoid hanno composto e realizzato il brano da zero.

Ambientato nella Sardegna nuragica, il cortometraggio segue le vicende di Nhuruk, un’anziana sacerdotessa, e Tahíi, una bambina di otto anni. Due figure appartenenti a epoche e mondi apparentemente distanti, i cui destini si intrecciano attraverso un mistero che supera i confini del tempo e dello spazio. Tra memorie ancestrali e visioni enigmatiche, qualcosa di antico torna a manifestarsi, risvegliando un legame destinato a rinnovarsi attraverso le generazioni.

In Nhuruk, il passato non è una dimensione conclusa, ma una presenza viva che continua a dialogare con il presente e con ciò che verrà. Le due protagoniste diventano così il tramite di una storia in cui le distanze temporali si dissolvono, suggerendo che alcune connessioni esistano da sempre, in attesa soltanto di essere ritrovate.

Tratto dal raccontino Abbardente di Pier Paolo Cavagna, “Nhuruk” è scritto e prodotto dai biovoid. Un progetto che testimonia la volontà della band di esplorare le possibilità espressive della musica in dialogo con le immagini, dando vita a un’opera audiovisiva in cui suono e narrazione si fondono in un universo evocativo e ricco di stratificazioni simboliche.

I biovoid sono un progetto musicale italiano nato nel novembre 2017 dall’incontro tra Massimiliano Guida (voce) e Domenico Giordano (chitarra e basso), con il coinvolgimento di Adriano Giordano nella fase iniziale.

Fin dagli esordi, il progetto si distingue per la volontà di fondere linguaggi musicali differenti, dando vita a un sound personale e difficilmente riconducibile a un unico genere, capace di alternare atmosfere intime a sonorità elettroniche e sperimentali.

Dopo la pubblicazione dei primi singoli, il percorso dei biovoid evolve con l’ingresso di Fortunato Serranò, fonico e polistrumentista, che assume un ruolo centrale nello sviluppo della produzione e degli arrangiamenti. Il suo contributo segna una svolta nella ricerca sonora del progetto, orientandolo verso una maggiore cura dei dettagli, un’esplorazione più approfondita delle texture e una visione produttiva sempre più definita.

Parallelamente alla ricerca musicale, i biovoid sviluppano un immaginario visivo che accompagna e amplifica la loro identità artistica. Fondamentale è la collaborazione con Francesco “Deddì” Calendini, autore delle cover art di diversi brani, tra cui “Invincible” e “No Land”. Il dialogo tra musica e arti visive si arricchisce nel tempo grazie al contributo di altri artisti, tra cui Giampiero Wallnofer, autore della copertina di “Hypnagogia”, e Roberto Recchioni, che firma l’artwork di “Far Beyond”, primo singolo pubblicato con l’etichetta Sorry Mom!.

Nel 2025 i Biovoid pubblicano “Invincible”, un brano alternative rock dal forte impatto emotivo che affronta il tema della fragilità e della capacità di restare saldi di fronte alle difficoltà. Il videoclip ufficiale ottiene importanti riconoscimenti in ambito cinematografico, venendo selezionato e premiato al Festival Internazionale del Cinema di Salerno e al The Hague Film Festival.

Questa fase segna un ulteriore momento di maturazione artistica per i biovoid, che consolidano un percorso in cui musica e immagine si intrecciano in modo sempre più consapevole. Un progetto in continua evoluzione, che fa della sperimentazione sonora, dell’introspezione e della ricerca visiva gli elementi fondamentali della propria identità.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=Cox4uqliq2Y

ROCKTRAIN SLAVES – ecco “Lose Yourself”

 

Ci sono momenti in cui sembra di aver smarrito la propria identità, intrappolati in una quotidianità fatta di imposizioni, falsità e compromessi. Eppure, dentro di noi, continua a bruciare un’energia che chiede soltanto di essere liberata. È da questa tensione che nasce “Lose Yourself”, il nuovo brano dei RockTrain Slaves: un invito a fermarsi, lasciarsi andare e dimenticare tutto, almeno per una notte, per ritrovare se stessi.

Perdersi nel caos, abbandonare le convenzioni e concedersi un momento di autentica libertà. Non una soluzione definitiva ai problemi, né la promessa di un mondo senza conflitti, ma un’occasione per rompere le gabbie della quotidianità e riconnettersi con la propria essenza. Perché, come suggerisce il brano, non esiste arcobaleno senza prima una tempesta.

Dal punto di vista sonoro, “Lose Yourself” affonda le proprie radici nel rock americano degli anni Settanta. L’apertura è affidata a un riff in accordatura aperta che richiama le atmosfere della Bayou, territorio e immaginario profondamente legati alla tradizione musicale statunitense. Le percussioni ipnotiche disegnano il paesaggio sonoro, mentre il basso ne sostiene la struttura con profondità e carattere.

L’invocazione “Give us a band, a rocking land” segna il momento in cui il brano prende definitivamente quota, lasciandosi alle spalle la palude per entrare nel vivo di un’esplosione rock. Gli intrecci delle chitarre rafforzano l’impatto della composizione, mentre il solo di slide guitar accompagna il pezzo verso un finale feroce e viscerale.

Registrato in presa diretta e con un ricorso minimo alle sovraincisioni, “Lose Yourself” restituisce un suono diretto, essenziale e senza artifici. Una scelta precisa, pensata per catturare l’energia e la spontaneità della band, trasportando l’ascoltatore idealmente nel mezzo di un live dei RockTrain Slaves e restituendone tutta l’essenza.

I RockTrain Slaves nascono a Bologna nel 2004 dall’incontro di due amici d’infanzia, accomunati da una visione precisa della musica: fondere le diverse influenze e tradizioni che hanno segnato il loro percorso artistico, dal Delta Blues al rock degli anni Settanta, dando vita a un repertorio originale e scegliendo fin da subito di non affidarsi al classico circuito delle cover band.

Nell’aprile 2008 pubblicano il loro primo album autoprodotto, “The Rain Can Wait”, una raccolta di brani inediti distribuita da Self/Hitland Records nei negozi e sulle principali piattaforme digitali. Il disco apre alla band le porte di importanti palcoscenici italiani, portandola a esibirsi in alcuni dei festival blues più prestigiosi del Paese, tra cui il Pistoia Blues Festival 2008, e ad aprire i concerti di autentiche leggende della scena internazionale come Johnny Winter e Dickey Betts & The Great Southern.

Dopo anni di intensa attività live e l’ingresso di una seconda chitarra, nell’ottobre 2014 arriva il secondo album in studio, “Another Place”, composto interamente da brani originali e accolto positivamente dalle radio locali e dalla stampa specializzata.

Nel corso di circa dieci anni di attività, i RockTrain Slaves superano le 250 esibizioni dal vivo, consolidando un’identità musicale radicata nel rock blues più autentico e viscerale, capace di esprimersi con la stessa energia sul palco e in studio.

Dopo una pausa forzata dovuta alla pandemia, la band torna al lavoro su nuovo materiale e realizza l’EP “All The Rest”, pubblicato nel 2023.

All’inizio del 2026 i RockTrain Slaves rientrano in studio per registrare tre nuovi brani inediti: “Soulshine”, “Lose Yourself” e “Goodmorning Devil”. Un nuovo capitolo del percorso artistico della band, che nel corso dell’anno porterà le nuove produzioni sulle principali radio e piattaforme digitali.

ASCOLTA “LOSE YOURSELF”!

https://ffm.to/rocktrainslaves-loseyourself

“Balla finché vuoi”, il nuovo singolo degli Officina Blu

 

Non sempre serve capire cosa ci succede per trovare il modo di andare avanti. A volte basta alzare il volume e smettere di trattenersi. È da qui che parte “Balla finché vuoi”, il nuovo singolo degli Officina Blu: un brano che trasforma il movimento in una risposta alle tensioni quotidiane, senza cercare soluzioni facili né impartire lezioni di vita.

“Metti in fila giorni e notti, metti in fila i guai”: la routine prova a imporre il suo ordine, ma qualcosa rompe la sequenza. Le corde vibrano, il ritmo prende spazio e il corpo trova una via d’uscita che la testa, da sola, non riesce a indicare.

Il sound mescola anima southern rock, sfumature blues e ritmiche country, con un passo trascinante che invita a muoversi senza troppi calcoli. La musica non cancella i problemi, ma cambia per un momento il modo di stare dentro le cose.

“Dentro quelle rotte scarpe sai soltanto tu come si sta” è il passaggio che restituisce al brano la sua dimensione più personale. Ognuno conosce la propria strada, comprese le deviazioni e le fatiche che non si vedono da fuori.

Gli Officina Blu scelgono così di lasciare spazio all’istinto, alla voglia di ridere e a quella libertà imperfetta che non ha bisogno dell’approvazione di nessuno.“Balla finché vuoi” non promette che domani sarà tutto più semplice: invita a non aspettare che lo diventi per concedersi il presente.

Alzare il volume, trovare il proprio passo, ripartire. Per una volta, senza dover spiegare perché.

Officina Blu è una rock blues band italiana che fonde il sound classico del rock con un’impronta moderna e personale. Le influenze blues, il rock d’autore e un’attitudine diretta danno vita a brani intensi, costruiti su chitarre incisive, una sezione ritmica solida e testi che raccontano storie, emozioni e frammenti di vita.

La band è composta da Matteo Favretto (MisterMat) alla voce e chitarra, Mattia Fattoretto al basso e Davide Piovesan alla batteria. Insieme portano sul palco uno spettacolo energico e autentico, dove ogni canzone nasce dalla passione per la musica suonata senza compromessi.

Con un’identità sonora riconoscibile e uno sguardo rivolto al futuro, Officina Blu continua il proprio percorso artistico attraverso la scrittura di musica originale e l’attività live, affermandosi come una realtà capace di parlare sia agli amanti del rock più classico sia a chi cerca un sound contemporaneo e genuino.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=Lip9h9o51Hw

I Sogno di Lenia tornano Con “Scusa”

 

Con “Scusa”, i Sogno di Lenia raccontano la fine di un’amicizia e quel momento in cui un rapporto, consumato dall’indifferenza e dal silenzio, arriva al punto di rottura. Un brano rock intenso e viscerale, che mette al centro la difficoltà di lasciarsi alle spalle una persona con cui si è condiviso molto.

La storia è narrata dal punto di vista di una protagonista ormai logorata dalla distanza emotiva dell’altra persona. «Non sopportavo più l’indifferenza» è la frase che segna la svolta e accompagna la decisione di lasciare la casa condivisa. Ma all’orgoglio ferito si alterna il ricordo di una complicità che continua a riaffiorare, soprattutto di notte: «Ti penso la notte ancora in quella via, ridere scherzare insieme a te». È il contrasto tra la necessità di allontanarsi e la nostalgia per ciò che è stato a dare al brano la sua tensione emotiva.

Anche sul piano musicale, “Scusa” si sviluppa attraverso contrasti. Le strofe, più intime e raccolte, sono sostenute da un basso corposo e da arpeggi puliti, mentre le chitarre graffianti e una ritmica solida accompagnano l’apertura verso ritornelli potenti. A guidare il racconto è una voce femminile versatile, calda e confidenziale nei passaggi più delicati, capace di farsi grintosa e carica di pathos nei momenti di maggiore intensità.

Nel finale, la rabbia lascia spazio a una vulnerabilità inattesa. Il rapporto non si è ricomposto, la distanza resta, eppure la protagonista trova la forza di abbattere le proprie difese e pronunciare quella parola rimasta in sospeso: «Scusa».

Non una promessa di riconciliazione, ma un gesto liberatorio e doloroso, che chiude il racconto lasciando emergere tutta la fragilità di chi, nonostante tutto, non ha dimenticato.

I Sogno di Lenia nascono a Bologna nell’estate del 2024 dall’incontro tra la cantante Elena Masera e il chitarrista Davide Buzzoni. Quella che inizialmente si presenta come una sfida si trasforma presto in un’esigenza artistica: dare forma a frammenti di vita attraverso parole e musica, muovendosi tra sonorità alt-rock, suggestioni nostalgiche e influenze contemporanee.

La sintonia tra i due è immediata e prende forma in brani in italiano che raccontano contrasti, fragilità e stati d’animo profondi, alternando il peso delle esperienze vissute alla ricerca di momenti di felicità.

Elemento centrale del progetto è la voce di Elena Masera, potente, calda ed espressiva, capace di passare da interpretazioni intime e raccolte a momenti di grande intensità. A dialogare con la sua vocalità sono i riff graffianti e gli assoli energici della chitarra di Davide Buzzoni.

Nel 2025 la formazione si completa con l’ingresso di Fabio Fruci al basso e Sandro Sparano alla batteria. Con una sezione ritmica solida e dinamica, i Sogno di Lenia definiscono ulteriormente la propria identità sonora, dando vita a un rock energico, attraversato da tensioni emotive e contrasti.

ASCOLTA “SCUSA”!

https://orcd.co/sognodilenia-scusa

“A caccia di storie”, il nuovo singolo dei Fiori nei Giardini Chiusi

 

Di giorno le storie sembrano scorrere inosservate, confuse nel rumore della quotidianità. È quando tutto si fa più silenzioso, soprattutto di notte, che acquistano contorni più nitidi e rivelano dettagli inaspettati. Da questa prospettiva nasce “A caccia di storie”, il nuovo singolo dei Fiori nei Giardini Chiusi, un brano che racconta il desiderio di osservare ciò che ci circonda, lasciarsi sorprendere dagli incontri e trovare significati anche nei particolari apparentemente più insignificanti.

Una ricerca senza una destinazione prestabilita, guidata dalla curiosità e dalla voglia di continuare a scoprire. Ogni incontro diventa l’occasione per entrare in una nuova dimensione, ogni storia che si conclude lascia spazio alla possibilità di trovarne un’altra. È un movimento continuo, fatto di osservazione, ascolto e desiderio di rimettersi in cammino.

Anche musicalmente, “A caccia di storie” segue questo percorso, costruendo un crescendo progressivo che accompagna lo sviluppo del racconto. Il brano si apre con il passo misurato di una ballata, attraversando atmosfere intime e raccolte che, poco alla volta, acquistano corpo e intensità. La tensione cresce fino a lasciare spazio a un finale più energico e decisamente rock, in cui la musica amplifica l’impulso a lasciarsi alle spalle ciò che è conosciuto per andare incontro a nuove esperienze.

Con “A caccia di storie”, i Fiori nei Giardini Chiusi raccontano la curiosità come una forma di movimento e di apertura verso il mondo: la spinta a non smettere di cercare, osservare e lasciarsi attraversare dalle storie degli altri, perché, in fondo, ogni risposta può diventare l’inizio di una nuova ricerca.

Fiori Nei Giardini Chiusi è un progetto musicale veronese che si muove nel territorio del rock d’autore italiano, intrecciando una scrittura attenta, sensibilità melodica e ricerca sonora.

Al centro del progetto ci sono canzoni che esplorano le relazioni umane, le contraddizioni della quotidianità e le dimensioni più intime dell’esperienza personale. Testi e musica si incontrano in un sound costruito su chitarre, basso e batteria, capace di alternare energia e tensione a momenti più introspettivi e atmosfere raccolte.

La band ha pubblicato quattro singoli: “Ancora un’altra settimana”, “Muoviti tutto intorno”, “Fiori nei giardini chiusi” e “A caccia di storie”, portando parallelamente avanti un percorso live attraverso festival, rassegne e concerti.

Fiori Nei Giardini Chiusi prosegue così la propria ricerca artistica, dando forma a un’identità musicale in cui la forza del racconto incontra le diverse sfumature del rock.

ASCOLTA “A CACCIA DI STORIE”!

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“Solo me stesso”, il nuovo singolo dei Flussi

 

In un mondo in cui ogni pensiero sembra dover circolare, essere riconoscibili non significa necessariamente essere compresi. Da questa distanza tra ciò che mostriamo e ciò che siamo nasce “Solo me stesso”, il nuovo singolo dei Flussi Inversi: una riflessione sull’identità, sui compromessi e sulla difficoltà di trovare la propria voce dentro il rumore del presente.

“Vorrei trovare il mio posto senza mai accettare un compromesso”: il desiderio espresso nel testo non è quello di isolarsi, ma di non dover rinunciare a una parte di sé per essere accettati. La dimensione personale si confronta così con un mondo definito “virale”, dove la velocità della comunicazione non garantisce la profondità dell’ascolto.

Musicalmente, il brano sviluppa questa tensione attraverso un impianto New Prog dinamico, costruito come un flusso di coscienza. Le sonorità eteree che aprono e chiudono il pezzo delimitano una struttura circolare, mentre la parte centrale concentra pensieri e contraddizioni in una progressione che rinuncia alla consueta alternanza tra strofa e ritornello. La forma segue il movimento della mente, con le sue accelerazioni e i suoi ritorni.

Ma il punto d’arrivo non è la difesa ostinata dell’io. “Ed ora che ho spento quella parte di orgoglio che sento” introduce un passaggio decisivo: abbassare le proprie difese non significa tradire la propria identità, ma rendere possibile un incontro. È qui che la fragilità smette di essere un limite e diventa disponibilità verso l’altro.

“Solo me stesso” tiene insieme due esigenze che spesso sembrano inconciliabili: restare fedeli a ciò che si è e riuscire a raggiungere chi ci sta intorno. Perché parlare a milioni di persone ha senso soltanto se, nel tentativo di farsi ascoltare, non si perde la propria voce.

I Flussi Inversi sono un progetto musicale nato dall’incontro tra il compositore e pianista Orazio Saracino, il producer e sound engineer Alex Grasso e il cantante e paroliere Flavio Paternesi, entrato nella formazione nel 2022.

La loro musica unisce ricerca sonora, tecnica strumentale e una forte componente narrativa.

L’esordio discografico, “Terra e Anima”, intreccia progressive rock, jazz, elettronica, musica per film e influenze gypsy, con la partecipazione di musicisti ospiti di rilievo.

Con il secondo album, “Noi”, composto da undici tracce, la band sviluppa una direzione più compatta e contemporanea.

Il trio definisce il proprio linguaggio come New Prog, una rilettura moderna del progressive rock italiano, distante dalle sonorità vintage degli anni Settanta.

Strutture fluide e accessibili convivono con ritmi articolati, passaggi strumentali complessi e il superamento dei tradizionali schemi della canzone.

La scelta di scrivere in italiano è centrale nella ricerca espressiva del gruppo.

Al centro di “Noi” c’è l’essere umano, raccontato attraverso fragilità, paure e desiderio di riscatto in una società precaria.

Grazie a influenze trasversali e a una cura meticolosa della produzione, i Flussi Inversi costruiscono un’identità musicale in cui sperimentazione e intensità emotiva procedono insieme.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=4XKjYppJB3E

A-Frame, il nuovo album di Stenox

 

A-Frame, il nuovo album di Stenox, non nasce come un progetto discografico unitario, ma prende forma nel corso degli anni, attraverso viaggi, incontri e suggestioni raccolte in luoghi lontani: dal Rajasthan al Ladakh, dal nord della Thailandia al sud dell’India, dal Nepal all’Iran. È in questi territori che i brani hanno progressivamente trovato la propria identità, spesso insieme alle immagini, dando vita anche ad alcuni dei cortometraggi che accompagnano il progetto.

Da esperienze apparentemente distanti è emerso, nel tempo, un filo conduttore: una riflessione sulla possibilità di coesistere, con l’altro, con ciò che è diverso e con la natura, di cui l’essere umano è parte integrante.

Sul piano sonoro, A-Frame attraversa elettronica, pulsazioni tribali e rituali, elementi acustici, canto e spoken word, costruendo un paesaggio musicale cinematico e materico, attraversato da una dimensione temporale arcaica e profonda. Lingue, voci e suggestioni raccolte lungo il viaggio confluiscono in dieci brani che diventano frammenti di un unico percorso: un’esplorazione che si muove tra paura e fiducia, identità e trasformazione, distanza e appartenenza.

A Journey in Search of Coexistence.

TRACKLIST

Hands Shaking (The Man Is Shaking)

Ad aprire il disco una miscela di elettronica, pulsazioni rituali e melodie orientali che costruiscono una tensione ipnotica, mentre la voce attraversa paura, fiducia e affidamento al Dharma. Il brano culmina in una chiusura graffiante costruita sul suono campionato di una chitarra distorta. È accompagnato da un cortometraggio girato in Ladakh, dove acqua e roccia raccontano nascita, conoscenza, morte e rinascita.

No Pares de Crear

Nasce da una base musicale di Bashmantan (Beppe Piol), dove batteria elettronica e chitarra acustica effettata si intrecciano alle melodie e alle tastiere di Stenox. La sua voce calda attraversa dialetto veneto, spagnolo e basco, evocando il tempo come una forza trascendente. Un brano intimo e sognante, un invito a non smettere di creare, a immaginare e a rinnovarsi.

LÀ MI DO

Preludio teatrale che evolve in una trance electro sperimentale e ipnotica: sillabe musicali diventano mantra, tra ironia e tensione spirituale.

No More Piss On Earth

Brano essenziale e tagliente, con un groove ripetitivo di ispirazione kraut rock e un’energia electro/industrial. Il titolo gioca volutamente tra peace e piss: una provocazione netta, senza giri di parole.

Ja Ma Tacu Sulawe

Brano sperimentale e rituale in cui Stenox intreccia ritmi etnici, elettronica e acustica. Intrecci improvvisati, una percussione giapponese e inserzioni imprevedibili di voce e suono accompagnano liriche in una lingua inventata dal sapore mediterraneo, dando vita a un paesaggio sonoro giocoso, enigmatico e immaginifico.

A-Frame

Il singolo che accompagna l’uscita dell’album, è stato inciso nell’oasi di Siwa e intreccia elettronica graffiante e atmosfere orchestrali epiche. Dalla trama sonora affiora la parola “acqua”, pronunciata in diverse lingue come un mantra. Il cortometraggio che lo accompagna, girato interamente a mano in un acquario, richiama nei suoi fondali il lago Titicaca e l’idea di questo elemento primordiale come custode della memoria dell’umanità.

Iran Iran

Nasce da un giro di chitarra di Bashmantan (Beppe Piol), sul quale la voce di Stenox si sviluppa come un monologo meditativo, facendo affiorare la componente cantautoriale della sua scrittura. Un leggero innesto di synth nel finale amplia il respiro emotivo del brano. Nato da un lungo viaggio in Iran, è un tributo al suo popolo, alla sua cultura e alla sua resilienza, e una denuncia della repressione del governo.

Honkey Donkey

Pop-electro globale a groove ipnotico: tarantella, accenti indiani e pulsazioni tribali si fondono in un mantra ritmico. In dialetto, da un detto di guerra, riflette su isteria collettiva e distruzione delle risorse; dal vortice iniziale a un finale più dolce e aperto. Parte del progetto audiovisivo Honkey Donkey girato in India.

Tous Pareils Tous Differènts

Ritual/tribal techno elettroacustica con spoken-word multilingue. Uno scioglilingua astratto mette a nudo gli automatismi umani, trovando nel richiamo all’ascolto reciproco (“Mi scolte ti parla” — lo ascolto, tu parli) la bussola per riscoprirci tutti compagni di viaggio, eppure ognuno con la propria irriducibile diversità.

Mille non più

Una lode a Madre Terra nata durante un viaggio in bicicletta tra i Pirenei. La musica, dolce e avvolgente come il testo, nasce da un gesto spontaneo su GarageBand e mantiene l’autenticità del momento. Con un tono cantautoriale intimo e meditativo, il brano esplora il legame fragile tra l’uomo e la natura, l’istinto perduto e la trasformazione continua che attraversa ogni cosa.

Stefano Curto, in arte Stenox, è un autore sonoro e materico la cui ricerca artistica si sviluppa attraverso un linguaggio multidisciplinare che intreccia musica, cinema, arti visive, installazione, scultura e pratica di ricerca sul campo. Al centro del suo lavoro si trovano il viaggio, l’ascolto e la trasformazione come strumenti di indagine e creazione.

L’esperienza diretta di lunghi percorsi attraverso Europa, Asia, Medio Oriente e Africa rappresenta la principale fonte di ispirazione e materia viva della sua produzione. Da questi attraversamenti nascono opere che fondono dimensione sensibile e sperimentazione, oggi presenti in importanti collezioni private e istituzionali.

Nel suo percorso artistico, Stenox è parte del macro-progetto “Aframe”, dedicato alla relazione tra essere umano e natura. Tra i suoi lavori figurano inoltre “L’Om”, presentato all’India Art Fair presso l’Ambasciata Italiana a Nuova Delhi, e il cortometraggio “Honkey Donkey”, realizzato in India in collaborazione con l’artista Nitin Chauhan.

Parallelamente alla musica, Curto sviluppa una ricerca nell’arte materica. Attraverso l’uso di migliaia di cristalli e minerali applicati individualmente, costruisce superfici e figure nelle quali materia, luce e percezione mutano con il punto di osservazione.

Le sue opere sono entrate in importanti collezioni museali e private internazionali, tra cui il MONA Museum e i Musei Vaticani.

Il suo lavoro continua a evolversi attraverso nuove progettualità e collaborazioni internazionali. Il 9 ottobre 2026 ha presentato a Venezia durante biennale musica “SONA”, un progetto sviluppato insieme a Sebastian Meyer e dedicato al tema dell’acqua e dell’ascolto profondo.

Musica, cinema, viaggio, materia e ascolto della natura convergono nel percorso di STENOX. Il suo primo album solista, A-FRAME, raccoglie esperienze, immagini, e

incontri nati in diversi luoghi del mondo e li porta verso una nuova dimensione musicale, cinematografica e performativa.

ASCOLTA “A – FRAME – A Journey in Search of Coexistence”!

https://orcd.co/stenox-aframe-ajourneyinsearchofcoexistence