Fuori il nuovo singolo di Claudia Cantisani, intitolato “Il venditore di rose”

 

UN CUPIDO CONTEMPORANEO TRA ROMANTICISMO E REALTÀ QUOTIDIANA

Fuori il nuovo singolo di Claudia Cantisani, intitolato “Il venditore di rose”.

Scritto dal giovanissimo pianista Marco Pizzicara e arrangiato da Giovanni Laterza, il brano si presenta come un piccolo gioiello di poesia contemporanea. La semplicità delle parole, dei personaggi e delle situazioni descritte nelle strofe si contrappone al respiro universale del ritornello, che esprime un bisogno d’amore profondo e condiviso.

“Il venditore di rose” nasce da un equilibrio raffinato tra intimità cantautorale e ricerca sonora. Il sound fonde il calore degli strumenti acustici — archi, chitarre e batteria — con elementi più moderni, come sub elettronici profondi e texture sintetiche. Il risultato è un paesaggio sonoro emotivo e contemporaneo, capace di sostenere la narrazione con delicatezza e intensità, in una dimensione sospesa tra tradizione e innovazione.

Dal punto di vista tematico, il brano restituisce dignità poetica a una figura spesso marginale nell’immaginario musicale: il venditore ambulante di rose. Riletto attraverso una lente romantica, diventa una sorta di Cupido contemporaneo, fedele al proprio ruolo fino ad accettare il rischio del ridicolo pur di portare avanti la propria missione. In questa prospettiva, il venditore di rose apre uno scorcio inaspettato sull’universo della passione quotidiana, offrendo uno sguardo delicato e intenso sull’eros nelle sue forme più semplici e autentiche.

Claudia Cantisani è didatta, vocalist e compositrice laziale d’origine e lucana d’adozione. Formata in canto lirico al Conservatorio “Gesualdo Da Venosa” di Potenza, approfondisce la scrittura al C.E.T. di Mogol e si specializza nel jazz con la tecnica Vocal Power di Elisabeth Howard, di cui è insegnante certificata.

Artista poliedrica, pubblica diversi album tra cui “Storie d’amore non troppo riuscite”(2013), “Non inizia bene neanche questo weekend” (2018) e “Sabrina sul petrolio”(2023), collaborando con nomi come Joe Amoruso, Sergio Caputo, Andrea Agresti e Alessandro Haber. Nel 2025 esce il singolo “L’uomo del sì” in duetto con Petra Magoni e, nel 2026, pubblica il singolo “Il Venditore di Rose”, con cui dà avvio a un nuovo capitolo artistico.

Vincitrice di premi e riconoscimenti sin dagli esordi, è protagonista di un’intensa attività concertistica in festival, jazz club e teatri in Italia e all’estero, oltre a numerose partecipazioni radiofoniche e televisive RAI. Nel gennaio 2026 registra il sold out al Blue Note di Milano, confermando il forte riscontro del suo percorso musicale.

ASCOLTA “IL VENDITORE DI ROSE”!

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EPIGRAFI – “THE ROOM” – L’essenza fragile dei sogni

 

Il nuovo singolo degli Epigrafi, “The Room”, chiude la sezione dell’Inferno all’interno del concept “Dedalus”.

È un brano che lascia intravedere qualcosa oltre il buio, una soglia che introduce alla fase successiva del racconto: il Paradiso perduto. Anche il suono segue questa direzione, mantenendo il legame con le proprie radici ma spingendosi oltre: prog-death metal moderno sulla scia dei Persefone, con aperture atmosferiche vicine agli Opeth e inserti metalcore freddi e leggeri ispirati agli Imminence.

Dopo l’oscurità assoluta in cui era stato lasciato il protagonista, compare una porta. Una luce attraversa le fessure e interrompe il vuoto. Da lì prende forma “la stanza”, uno spazio soffuso e fuori dal tempo in cui lui e Amal riescono finalmente a ritrovarsi.

La scena ha la consistenza del sogno e infatti è proprio questo che emerge lentamente. Amal non parla, eppure la sua voce risuona nella mente del protagonista. È lei ad aver costruito questo luogo onirico, modellandolo per proteggerlo dall’abisso e offrirgli una possibilità di esistere ancora. In quella stanza convivono amore, salvezza e dissoluzione.

Ma qualcosa inizia a incrinarsi. Amal sta per svegliarsi e con il suo ritorno alla realtà l’incantesimo rischia di spezzarsi. Il protagonista comprende allora la natura fragile della propria esistenza: nato da quel sogno, potrebbe svanire insieme ad esso. Le lacrime di Amal fanno intuire il seguito, lo annunciano: “As I cross this veil I see your despair / now is the time to break this spell”.

“The Room” resta sospesa in questo equilibrio instabile che si affaccia sulla dissolvenza, lasciando aperta la porta verso ciò che verrà dopo.

Gli Epigrafi nascono nel 2016 a Bassano del Grappa dall’incontro tra Pietro, Enrico, Riccardo e Jacopo, uniti dalla volontà di costruire un linguaggio personale partendo da influenze come Death, Opeth e Dimmu Borgir. Dopo i primi brani pubblicati online e l’esordio con “Sublime and Vain”, la band inizia un’intensa attività live tra concerti e contest nel circuito veneto. Negli anni successivi la formazione cambia con l’ingresso di Alberto alla batteria e Mattia al basso, aprendo il suono a influenze prog e metalcore senza perdere l’impronta estrema delle origini.

Durante il periodo pandemico entra anche il chitarrista Riccardo, contribuendo alla nascita di “Dedalus”, concept diviso in tre sezioni — Purgatorio, Inferno e Paradiso Perduto — ispirato a un immaginario distopico di matrice dantesca. Nel 2022 la band registra l’EP “PH1 (Purgatorio)” presso La Distilleria Produzioni Musicali, mentre nel 2023 torna dal vivo conquistando il primo posto come miglior band metal e miglior gruppo vicentino al Vicenza Rock Contest.

Attualmente gli Epigrafi collaborano con Sorry Mom! e proseguono lo sviluppo di “Dedalus”, pubblicando i singoli “Arcadia” e “Maelström” e l’EP “Ep2silon”, che accompagna il passaggio dal Purgatorio all’Inferno del concept.

ASCOLTA “THE ROOM”!

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Lunacy è il nuovo lavoro in studio dei Dear Lunacy

 

Lunacy è il nuovo lavoro in studio dei Dear Lunacy: un EP che attraversa quattro momenti diversi dello stesso viaggio emotivo.

Tra atmosfere cupe, ritornelli esplosivi e derive pop-punk più dirette, la band racconta il passaggio dalla confusione mentale a una disillusione più lucida. I brani oscillano tra tensione e sfogo, paranoia e malinconia, dando vita a un piccolo diario sonoro sospeso sul confine sottile tra perdere il controllo e imparare a conviverci.

TRACKLIST

Tarot:

“Tarot” apre l’EP con un’atmosfera tesa e notturna: strofe scure, quasi sospese, che poi esplodono in un ritornello più largo e potente. Il brano segue il percorso di qualcuno che prova a capire chi è davvero mentre cambia volto per stare al passo con il mondo. Un inizio inquieto, che mette subito in chiaro il tono del viaggio.

Lunacy:

Qui la tensione cresce ancora. Le strofe restano cupe e introspettive, ma il ritornello arriva più grande e più violento, come uno sfogo che rompe la pressione accumulata. È il momento in cui la mente si riempie troppo di pensieri, e il confine tra lucidità e follia inizia a diventare pericolosamente sottile.

Drops:

“Drops” sposta il suono verso territori più emotivi e diretti, con un’anima decisamente emo e pop-punk. Il brano racconta notti confuse, paranoie e piccoli disastri quotidiani con un tono più umano e vulnerabile. È uno dei momenti più esposti dell’EP, dove l’ironia amara convive con la sensazione di stare lentamente perdendo il controllo.

Stone Diary:

Questa traccia chiude l’EP su coordinate più pop-punk, veloci e malinconiche allo stesso tempo. Il pezzo racconta la fine di una storia mai nata e quella strana lucidità che arriva quando l’emotività si spegne e resta solo stanchezza. Tra notti insonni e messaggi che non arrivano, il cuore si indurisce un po’ alla volta.

I Dear Lunacy sono una band emo-punk nata in Brianza dal progetto solista di Davide Pasquale, in arte David Lunacy, voce e chitarra ritmica del gruppo.

Il progetto prende forma nel 2023, quando Davide inizia a trasformare in canzoni un diario personale fatto di notti insonni, relazioni sbagliate e della costante sensazione di non essere mai abbastanza. Col tempo, quelle storie smettono di essere un semplice sfogo individuale e diventano una band vera e propria.

Nel 2025 la formazione si ufficializza: ai già presenti Alessio Zampierolo al basso e Federico “Steel” Rinaldi alla chitarra solista, si aggiunge Marco Ferrante alla batteria.

Le canzoni dei Dear Lunacy raccontano il viaggio del Matto nel mondo reale: una figura che cade, si spezza e impara a sorridere mentre sanguina. Tra chitarre dirette, atmosfere emotive e testi viscerali, la band costruisce un diario di rabbia, ironia e disillusione, dando voce a chi non vuole più indossare le maschere imposte dal mondo.

ASCOLTA “LUNACY”!

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VAN FOR A DIME – è uscito “Off the Rails”

 

Le relazioni tossiche restano un terreno familiare a molti, non per tendenza ma per esperienza. Entrarci significa perdere orientamento, lucidità, senso delle cose. Dopo la rottura, ciò che era quotidiano cede di colpo, mentre mente e cuore deragliano: finiscono “Off the rails”, appunto.

Il nuovo singolo dei Van For A Dime parte da qui, cercando di mettere a fuoco il punto in cui tutto si spezza: “splitted your heart in two, the words don’t rule, that shadow over you”. Le parole non bastano più e resta solo un’ombra difficile da scacciare.

A parlare è uno sguardo esterno, quello di chi resta accanto e prova a intervenire. Nessun giudizio, solo consapevolezza, quella che serve per riconoscere il peso e provare a sollevarlo dalle spalle di chi ci è dentro. “I’ll take you out, ‘cause no one wants to / I’ll take you out and you’ll break the wall” diventa un invito diretto, un gesto concreto per riaprire uno spiraglio e interrompere l’isolamento.

“Off The Rails” osserva la caduta e offre la possibilità di rialzarsi. Il suono spinge e trascina, con l’energia adrenalinica dei Wolfmother, quella sfrontata e festaiola rubata ai Mötley Crüe e picchi vocali dal sapore halfordiano, senza perdere il legame con ciò che racconta. Incanalare il dolore nel movimento aiuta a scaricare tensione e a lasciare andare il veleno accumulato. Da qui può iniziare qualcosa di diverso, anche quando l’equilibrio è ancora precario.

Van For A Dime è un blend tra hard rock e stoner metal, che a tratti accenna al funky/fuzz rock. Il quartetto si rifà a pilastri come Black Sabbath; Mountain; Grand Funk Railroad. Questi ultimi principalmente vengono omaggiati, con la scelta artistica di inserire due voci; a tratti principali che creano contrasto tra le due voci distinte di Matt e Toby. Completano l’opera le solide ritmiche e i “Big-Riffs” di Fulvio (Mack) e Simo che anch’essi, a loro volta, creano un sound compatto ed incisivo. Non manca mai una buona dose di Hammond ed assoli che caratterizzano il sound del Van.

Il Van segue la scia di realtà più attuali come Wolfmother; Rival Sons; Dirty Honey autoalimentando il motore in un infinito viaggio alla ricerca di un sound sempre più caratteristico.

Nei testi del Van si raccontano storie di tutti i giorni; una routine fatta di persone comuni che affrontano la vita. Questi per noi sono i veri Supereroi di quartiere, quelli irriducibili, che viaggiano verso una meta a noi sconosciuta ma sanno perfettamente che, alla fine; non molleranno mai.

ASCOLTA “OFF THE RAILS”!

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I Mardi Gras vincono il prestigioso Premio Roma Videoclip con “DON’T TOUCH THE SINNER”

 

Grande riconoscimento per i Mardi Gras, che si aggiudicano il prestigioso Premio Roma Videoclip nella categoria “Premi Speciali – sezione Indie” con il brano “DON’T TOUCH THE SINNER”, tratto dal loro ultimo album “Sandcastle”, per la regia di Manuela Kalì.

La cerimonia di premiazione si è svolta il 27 aprile negli spazi di Officina Pasolini, in occasione della XXIII edizione del premio, appuntamento di riferimento dedicato al dialogo tra musica e linguaggio audiovisivo.

La manifestazione ha celebrato videoclip, artisti, registi e produzioni distintisi nel panorama italiano e internazionale, con particolare attenzione ai progetti indipendenti e a forte impatto sociale.

Il videoclip premiato è stato realizzato tra le suggestive rovine della città perduta di Canale Monterano (Roma), dove le atmosfere sospese del Casale di Bonaventura e delle antiche mura medievali fanno da scenografia a un brano symphonic rock intenso e avvolgente.

Nel video, due presenze enigmatiche – Rey (Lupo) e Paloma (Cavallo) – si muovono in un gioco di sguardi e silenzi, accompagnate dalle interpretazioni di Simone De Bianchi (“Come un gatto in tangenziale”, “Accattaroma”) e Angelica Aureli (“Romulus”). Un continuo rincorrersi che cela un’inquietudine profonda, mentre la musica si sviluppa in un flusso sonoro ipnotico e senza tempo.

La serata è stata condotta da Antonio Panzica e Simone Bartoli, mentre la direzione artistica è stata affidata a Francesca Piggianelli.

Con questo importante traguardo, i Mardi Gras consolidano la propria identità artistica, portando avanti una ricerca sonora e visiva capace di emozionare e lasciare un segno profondo, in perfetto equilibrio tra musica e immagine.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=OWsdOYIfPc8

“Live” è il nuovo EP de La Fottuta Band

 

Diretto, sporco, senza filtri. “Live” è il nuovo EP de La Fottuta Band: cinque tracce che catturano l’essenza più cruda del loro suono e la restituiscono senza compromessi.

Registrato con l’urgenza di chi ha qualcosa da dire e poco tempo per dirlo, “Live”suona esattamente come deve: vero. Chitarre che graffiano, una sezione ritmica che pulsa come un cuore accelerato e una voce che non chiede permesso. Ogni traccia è un frammento di palco, un’esplosione di energia che trascina dentro chi ascolta.

In questi cinque brani La Fottuta Band mette a nudo la propria identità, mescolando rabbia, ironia e un’attitudine che non si piega. Non c’è spazio per sovrastrutture: solo musica vissuta, suonata e sputata fuori con sincerità.

TRACKLIST

NULLA CALMA
“Nulla Calma” racconta una routine infernale che consuma la vita giorno dopo giorno. È l’irrequietezza di chi non si sente mai davvero appagato, mai davvero felice — nemmeno nei momenti in cui sembra possibile risorgere. È una corsa continua, una lotta fino all’ultimo secondo, aggrappati a qualsiasi spiraglio mentre un’altra settimana è già pronta a ricominciare. E noi restiamo lì, sospesi, a renderci conto che, in fondo, siamo soltanto polvere.

SANGUE
Nel 1680 gli Zuni, popolo nativo del sud-ovest degli Stati Uniti, furono travolti dalla violenza e dall’imposizione di un nuovo ordine. Una storia di sopraffazione, identità negate e culture costrette a piegarsi sotto qualcosa di più grande e feroce. È successo allora, succede ancora oggi. “Sangue” porta addosso il segno di quella lotta e lo trasforma in suono: ritmiche serrate, impatto diretto, un’energia che scuote e non concede tregua. Perché alcune storie — come certe guerre interiori — devono essere raccontate prima che il rumore del mondo le cancelli.

ROCK’N’ROLL
“Rock’n’Roll” è un punto di rottura. Un brano diretto e viscerale, il momento esatto in cui si smette di chiedere il permesso. Qui la libertà non è un’idea astratta, ma una scelta concreta, immediata, istintiva.
In poco più di tre minuti, la traccia diventa un invito a scegliere se stessi senza compromessi, anche quando significa fare rumore, disturbare, uscire dagli schemi. È una dichiarazione urgente, senza filtri: perché vivere davvero non si può rimandare. E forse non esiste una seconda possibilità.

MENTE DIVORO
“Mente Divoro” affonda nell’alienazione dell’uomo nella società contemporanea. Non esiste più un confine netto tra lavoro e vita: tutto si mescola, tutto invade. L’operaio moderno — in fabbrica, in ufficio o davanti a uno schermo — finisce il turno, ma non si ferma davvero. Si rifugia nella tecnologia, scorre, consuma, si distrae. Crede di staccare, ma si svuota ancora di più. È un’alienazione nuova, più silenziosa e subdola. Ti tiene occupato mentre perdi il contatto con te stesso. Ti illude di riposare mentre ti consuma.

DELLA MORTE DELL’EGO
Un viaggio interiore, viscerale e senza difese. Racconta la fragilità umana e la forza che nasce proprio dalle crepe. Il contrasto tra “sole e ruggine” diventa il simbolo di un equilibrio instabile: luce e oscurità, bellezza e consumo, vita e decadimento. È una traccia che attraversa domande esistenziali e visioni oniriche, dove lo smarrimento diventa terreno fertile per una trasformazione. Nel vuoto si accende un’energia nuova: l’ego muore, ma proprio in quella fine nasce qualcosa di più autentico. Non è una risposta, ma un passaggio. Un grido che ferisce e cura insieme, trasformando la vulnerabilità in forza e il dolore in una forma di rinascita.

La Fottuta Band nasce dall’unione di due progetti in duo con Andrea (batteria) come punto in comune, insieme a Francesco (voce e chitarra) e Marco (basso). Dopo tentativi, incastri difficili e una crescente urgenza di portare dal vivo idee e provini, i tre decidono di fondersi in un power trio, trasformando un percorso incerto in una direzione chiara e condivisa.

Il suono è diretto, viscerale e senza filtri: chitarre distorte, sezione ritmica serrata e testi che mescolano ironia, rabbia e consapevolezza. Più che un progetto, la band diventa un manifesto: suonare come necessità, tra disincanto e libertà.

Con la produzione di Roberto (L’Amor Mio Non Muore, Forlì), danno forma ai primi brani, fino all’uscita dell’album di debutto ROCK’N’ROLL (21 novembre 2025), presentato in un’intensa release in sala prove. Tra temi esistenziali e tensione istintiva, le loro canzoni oscillano tra filosofia e realtà, mantenendo un approccio crudo e autentico.

Nel 2026 esce l’ EP “Live”, pensato per catturare l’energia pura del trio sul palco, senza filtri né compromessi.

ASCOLTA “LIVE”!

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Simone Pittarello pubblica “Sole Nero”

 

Simone Pittarello firma con “Sole Nero” un incontro improbabile che prende forma tra legno consumato e bicchieri vuoti: un’osteria veneta fuori dal tempo, dove Charles Baudelaire, Jimi Hendrix, Johann Sebastian Bach e Andy C condividono lo stesso tavolo. Da lì nasce un brano che tiene insieme tensioni lontane, scrittura d’autore e aperture sonore che sfiorano la world music.

”Sole Nero” entra in una zona sospesa, dove il dolore non si esaurisce ma resta in circolo, come una presenza costante.

L’immagine centrale è chiara e insistente: “quel Sole Nero che brucia fin qui tutta la notte / e non tramonta più” e che diventa protagonista del lyric video, creando ambientazioni di ombre suggestive.

Non c’è alternanza, non c’è sollievo, solo una luce rovesciata che scalda e consuma allo stesso tempo. Il protagonista si muove dentro questa esposizione continua, cercando un modo per restare intero mentre qualcosa si sgretola.

Il tradimento si insinua senza dichiararsi apertamente, lasciando spazio a una frattura più sottile: “colpiscimi alle spalle e poi fidati di me”. È una dinamica che confonde, che tiene insieme bisogno e difesa, desiderio di abbandono e resistenza.

Da qui nasce una tensione che attraversa tutto il brano, fino a farsi richiesta esplicita nel ritornello: “non lasciarlo andare via, come fosse niente / Sole Nero che ha portato via un’altra parte di me”. Trattenere o lasciar andare diventa un equilibrio instabile, continuamente rimesso in discussione.

La scrittura segue questa oscillazione, alternando immagini fredde e improvvisi slanci, fino a un punto in cui la fragilità prende parola: “piccolo cuore mio di tenebra che splendi”. Dentro questa contraddizione si apre uno spazio inatteso, dove ciò che ferisce continua anche a illuminare, senza risolversi mai del tutto.

Musicalmente, il brano si muove tra cantautorato e rock d’autore, lasciando filtrare suggestioni ritmiche e timbriche che ampliano il paesaggio sonoro senza disperderlo. Le influenze convivono senza sovrapporsi, come se provenissero davvero da quel tavolo affollato e fuori asse.

Alla fine resta una domanda sospesa, quasi detta a mezza voce: il conto, chi lo paga davvero?

Simone Pittarello è un polistrumentista e cantautore padovano dotato di una voce potente e versatile. Attivo dalla fine degli anni ’90, ha lavorato come turnista, compositore SIAE e docente. Suona batteria, basso, chitarra, pianoforte, tastiere, tromba, percussioni e naturalmente la voce.

Nel corso degli anni ha partecipato a più di 35 progetti discografici, collaborando con numerose formazioni tra rock, cantautorato e ricerca vocale.

Parallelamente alla carriera musicale, ha svolto un intenso percorso di studio sulla vocalità, collaborando con il CNR e approfondendo gli esperimenti di Demetrio Stratos, esperienza che lo ha portato alla pubblicazione del trattato divulgativo “La Voce Libera” e all’attività di insegnante di canto dal 2009.

Nel 2013 vince tre premi al concorso nazionale Note d’Autore e nel 2014 il suo album autoprodotto “Esco un attimo” riceve una nomination al Premio Tenco. Dopo varie produzioni e collaborazioni, nel 2023 torna al percorso solista con l’album “Lo Sconosciuto”, seguito da una serie di singoli pubblicati con Sorry Mom! ed Engine Records.

ASCOLTA “SOLE NERO”!

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“Icarus” è il nuovo singolo degli Ain’t No Lullaby

 

“Icarus” è il nuovo singolo degli Ain’t No Lullaby, un brano che prende ispirazione dal celebre mito di Dedalo e Icaro, ribaltandone però il punto di vista. A raccontare la storia è Icaro stesso: non più il giovane imprudente, ma una voce affamata di vita, libertà e possibilità.

Il brano si configura come una dedica ai sognatori, a chi sceglie di rischiare e di sbagliare pur di vivere pienamente. Sebbene il mito tradizionale si concluda con la caduta di Icaro, consumato dalla sua vicinanza al sole, qui emerge una prospettiva diversa: quella di chi, prima di cadere, ha conosciuto un’intensità assoluta fatta di emozioni, adrenalina e senso di libertà.

Anche il sound accompagna questo viaggio. Dall’atmosfera iniziale, claustrofobica e opprimente, che richiama il labirinto costruito da Dedalo, il brano si sviluppa in un crescendo che segue le tappe della liberazione: la fuga, il volo e, infine, l’affermazione di Icaro.

Una rivendicazione potente e consapevole, quella di aver inseguito il proprio sogno fino in fondo, spingendosi oltre ogni limite conosciuto.

Gli Ain’t No Lullaby sono un duo acustico voce (Giulia Colombrita) e chitarra (Davide De Lazzer) che propone un viaggio tra generi e atmosfere: dalle vibrazioni del rock al calore del folk, fino a suggestioni più cupe e introspettive dal respiro dark.

Ogni brano inedito è una narrazione sincera, costruita su arrangiamenti essenziali e intensi, dove la voce e la chitarra s’intrecciano, producendo di volta in volta, armonie compiute e dissonanze.

Il progetto è nato nel 2022 anche se entrambi avevano già suonato in precedenti band assieme in gioventù. Oltre ai brani inediti, il duo propone anche cover acustiche reinterpretate con arrangiamenti personali, privilegiando il repertorio acoustic rock dagli anni ’70 ai ’90.

ASCOLTA “ICARUS”!

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Oblomov, il nuovo singolo dei PIANO 9

 

Ispirato al celebre romanzo di Ivan Gončarov, Oblomov il nuovo singolo dei PIANO 9, prende forma come una riflessione intensa e contemporanea su procrastinazione, auto-sabotaggio e disconnessione dalla realtà. L’opera non si limita a raccontare l’indolenza del suo protagonista, ma ne esplora le radici più profonde: un sentimento di rifiuto verso un mondo dominato da scadenze, responsabilità e aspettative sociali sempre più pressanti.

Da questa visione nasce il concetto di “oblomovismo”: una condizione esistenziale fatta di inerzia consapevole e dolorosa, in cui il desiderio di cambiamento si scontra con l’incapacità di agire. È il blocco di chi, pur intuendo la direzione giusta, resta immobile per paura, stanchezza o insofferenza verso una realtà scandita da ritmi frenetici e dinamiche opprimenti.

In questo scenario, rifugiarsi nel proprio universo diventa una scelta tanto rassicurante quanto sterile: una comfort zone caratterizzata da un continuo fare e disfare, senza mai giungere a una conclusione. Tutto resta sospeso, in un perenne stato di trasformazione, dove ogni tentativo sembra destinato a ricominciare da capo.

A rafforzare questa visione contribuisce il suggestivo videoclip realizzato dalla sand artist Gabriella Compagnone: un’opera visiva ipnotica e simbolica, che si costruisce e si dissolve senza sosta, incarnando perfettamente l’idea di un ciclo infinito, privo di una forma definitiva.

Oblomov diventa così un racconto che è anche specchio delle contraddizioni contemporanee, in cui immobilità e inquietudine convivono, dando voce a un disagio tanto personale quanto universale.

I PIANO 9 nascono a Roma nel 2011 e si affermano nel tempo come una presenza solida nella scena alternative grunge italiana. Il nome della band è un omaggio al film “Plan 9 From Outer Space” di Ed Wood, passato alla storia come uno dei peggiori mai realizzati: una scelta che riflette fin da subito l’attitudine ironica e controcorrente del progetto.

Dopo un’intensa attività live nella capitale, la band esordisce discograficamente nel 2019 con “Overbooking”, un lavoro che si impone come voce fuori dal coro, capace di emergere in un contesto che spesso ignora chi sceglie di non conformarsi.

Nel 2025, a seguito di un cambio di formazione, i PIANO 9 tornano in studio con nuovo materiale e, soprattutto, con una rinnovata consapevolezza artistica. Questo percorso li conduce verso sonorità più mature e riflessioni più profonde, con uno sguardo lucido rivolto sia all’interiorità che alla realtà contemporanea.

Sotto la guida di Valerio Fisik – che cura registrazione, mix e mastering – i nuovi brani restituiscono atmosfere acide e torbide, attraversate da una forte componente melodica. Il risultato è un equilibrio tra tensione e fascino, in cui testi e suoni si fondono dando vita a un’esperienza intensa e coinvolgente.

Cinque musicisti, uniti dalla passione per sonorità e concept che oscillano tra disadattamento, introspezione e impegno. Cinque sensibilità diverse che convergono in un’unica energia, viva e in continua evoluzione.

Il 2026 si preannuncia come un anno cruciale per la band: nuovi suoni, nuove direzioni e un disco in lavorazione che si prospetta come un vero e proprio manifesto, capace di racchiudere l’essenza più autentica dei PIANO 9.

ASCOLTA “OBLOMOV”!

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Gli AlchemicA presentano “Chiudi gli occhi”

 

Gli AlchemicA presentano “Chiudi gli occhi”, un brano che attraversa il Novecento e si deposita nel presente, portando con sé una consapevolezza scomoda: restare lucidi, oggi, ha un costo sempre più alto.

Il testo si apre su un paesaggio inaridito, dove anche i desideri sembrano cadere senza lasciare traccia. Le stelle non indicano più direzioni, si spengono in un vuoto che riflette una società incapace di immaginare. Esatta è infatti la metafora sottile al decadimento del sogno americano fatta di “stelle che cadono” e “strisce dipinte nel blu. In questo spazio si insinua il “serpente” mediatico: un flusso continuo che intrattiene, seduce e attenua il pensiero critico, trasformando l’attenzione in assuefazione. La memoria storica entra senza mediazioni.

“Cadevan muri / non cadono più” richiama una frattura che sembrava chiusa e invece torna a riaprirsi: se Berlino ci aveva fatto sperare in una nuova era, oggi invece i muri non sono scomparsi, hanno solo cambiato forma. Il “diverso” diventa pretesto, una scorciatoia per giustificare nuove divisioni. Accanto, si insinua il dubbio: il benessere materiale coincide davvero con la libertà o ne è una versione addomesticata?

Il cuore del brano si stringe attorno a un’immagine precisa: “Non passano più i treni / ma che paura mi fa / ancora questo rumore inciso nell’anima”. Il riferimento alla deportazione e all’Olocausto è palese ed inevitabile, anche se non esplicito. I treni non passano più, eppure il loro suono continua a esistere, come memoria che non si cancella e come possibilità che ritorna. Da qui nasce l’angoscia più profonda: il timore di un nuovo “sonno della ragione”, in cui l’orrore smette di essere eccezione e torna a essere normalità.

“Chiudi gli occhi / il cuore non sentirà… salvati l’anima” diventa un comando paradossale: chi non regge lo sguardo crede di proteggersi, ma rinuncia a vedere, a riconoscere, a opporsi.

Il videoclip in bianco e nero amplifica questa ambiguità: macerie senza tempo, immagini la cui origine sarebbe difficile stabilire con certezza. Passato e presente si sovrappongono fino a confondersi, rendendo impossibile distinguere ciò che è stato da ciò che sta accadendo ora.

Prodotto da Andrea Rigonat e con la collaborazione in studio di Cosimo Distratis alla batteria, il brano mantiene una tensione costante tra malinconia e urgenza.

“Chiudi gli occhi” osserva un’umanità che ha già visto tutto e sceglie comunque di non riconoscerlo, mentre il rumore della storia continua a vibrare sotto la superficie.

Gli AlchemicA sono una band nata nel 2004 dalla fusione di musicisti del Friuli Venezia Giulia. Brani con forte carattere cantautorale ma dall’anima Rock. Testi in italiano e musica dal respiro internazionale. Per ben tre volte la band cavalca il palco del teatro Ariston per le finali del San Remo Rock. La discografia vede 3 album ed un quarto in uscita a giugno in distribuzione Universal Music Italia.

Attualmente la formazione è composta da Gianpiero Augusti alla voce e chitarra – Marco Beltrame – chitarra – Marco Bertoli tastiere – Daniele Deiuri alla batteria – Sirio Ceschia al basso – Alice Soranzio ai cori.

La band vanta oltre 500 concerti nella propria storia, partendo dai club fino ai palchi più importanti. Una dimensione rock che strizza l’occhio al mondo cantautorale, i testi sono parte fondamentale dell’esperienza di ascolto, il suono si modella come un vestito sui brani proposti, da momenti più graffianti a momenti più intimi ed eleganti.

Il concerto offre all’ascoltatore un verso viaggio attraverso le varie canzoni, tra momenti più spensierati e momenti più profondi, senza mai cadere nel banale.

ASCOLTA “CHIUDI GLI OCCHI”!

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